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B.B. King & U2: When love comes to town

El Blues es uno de los grandes estilos de la música popular, surgido a finales del siglo XIX en el profundo sur de Estados Unidos. Música de negros, de guitarras poderosas y letras apasionadas, seguramente no habríamos tenido rock & roll sin la existencia de estos artistas legendarios. Ayer moría a los 89 años el que, quizás, era el más grande de todos: B.B. King, el rey del Blues.

Pocos conceptos puede haber más alejados del pop que el blues. Seguramente, a pesar de su importancia dentro de la historia de la música, es muy probable que el gran público permanezca ajeno a su existencia. Afortunadamente, hay resquicios por los que unos estilos musicales se mezclan con otros y se llegan a colar en la radiofórmula. En 1989, como tercer sencillo de Rattle and Hum, U2 publicaban When love comes to town, su colaboración con B.B. King. Con un puesto 68 en el Billboard, fue la última aparición del maestro en la lista de sencillos.

Y fue así como algunos descubrimos la existencia de B.B. King y otros nuevos sonidos.

U2, en concierto en Barcelona

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U2 publicaban en febrero de 2009 No line in the horizon, disco en el que la banda irlandesa volvía a colaborar con el productor Brian Eno para hacer un trabajo más experimental y cercano a algunos de sus títulos más emblemáticos de principios de los noventa como Achtung Baby o Zooropa. Los más de cinco años que han transcurrido desde entonces han sido algo complicados para el grupo liderado por Bono, ya que en este tiempo han estado barajando y desechando proyectos como hacer un disco de música electrónica con producción de David Guetta, RedOne o will.i.am. Afortunadamente, a finales de 2013 parece que la banda irlandesa recuperó la energía perdida y consiguieron una nominación al Oscar por Ordinary Love, su canción para la película Mandela.

Después del sencillo benéfico Invisible editado en febrero de 2014, el decimotercer disco de U2 llegaba al público el pasado 9 de septiembre, estando disponible de manera gratuita para todos los usuarios de Itunes y lanzado en formato físico a comienzos de octubre. Songs of Innocence, producido por Danger Mouse, es un regreso a las raíces de U2, un trabajo marcado por el sonido rockero de los primeros tiempos de la banda con letras muy personales que hablan de la infancia de sus componentes en Irlanda, rindiendo homenaje a ídolos de su adolescencia como Joey Ramone o The Clash.

Pero además de un nuevo disco, lo que seguramente esperaban con más ganas los seguidores de U2 era una nueva gira. El Innocence + Experience Tour comenzará el 14 de mayo en Vancouver y recorrerá una veintena de ciudades a lo largo de todo el año. En España se les podrá ver en Barcelona los días 5 y 6 de octubre, dos conciertos para los cuales aún puedes conseguir las entradas. Dos días, dos conciertos y dos leitmotivs diferentes para cada uno de ellos: inocencia y experiencia, de ahí el nombre de la gira. Habiendo visto anteriores conciertos de U2, está claro que la calidad del espectáculo está más que garantizada. Además, la banda se puso a sí misma el listón muy alto con su 360° Tour, en el que consiguieron agotar las entradas en todos sus conciertos, convirtiéndose, con 736 millones de dólares, en la gira de mayor recaudación de la historia de la música.

Lista Promusicae: Número uno para U2

A pesar de que U2 regalaban su disco en Itunes, la edición física de Songs of Innocence se ha colocado en el número uno de la lista de ventas española. Este dato debería hacernos pensar si los únicos que siguen comprando compactos son los mayores de treinta.

Aunque no sé si muchos mayores de treinta se habrán comprado el disco en directo de Dani Martín, Mi Teatro, que debuta en la segunda posición. Su compañero en El Canto del Loco, El Pescao, también publicaba nuevo trabajo esta semana. Ultramar se estrena en el 8. Ismael Serrano, anterior número uno, baja hasta el 10 con La Llamada.

El resto de novedades de la semana se completa con El porvenir, de Marlango, en el 12; Sweet Talker, de Jessie J, en el 20; Interlude, de Jamie Cullum, en el 22; St. Petersburg, de Cecilia Bartoli, en el 33; La Lengua Chivata, del antiguo miembro de Los Delinqüentes, El Canijo de Jerez, en el 45; Modo Avión, de Lichis, antiguo líder de La Cabra Mecánica, en el 48; Chapter One, de Ella Henderson, en el 53; y The story-The very best of, de Spandau Ballet, en el 60.

En la lista de canciones entra directamente al número uno Pablo López, aquel que quedó en segundo lugar detrás de Virginia Labuat en Operación Triunfo, con El Mejor Momento, una canción en beneficio de la Asociación Española Contra El Cáncer. Al chico le está yendo bastante bien con su primer disco, Once historias y un piano, que lleva ya un año en la lista de ventas, y es candidato al Grammy Latino a Mejor Nuevo Artista, por lo que podemos pensar que se confirma la leyenda que dice que en OT es mejor ser segundo.

Entre las novedades nos encontramos con Taylor Swift, en el 22 con Out of the woods; Manolo García, en el 32 con Campanas de Libertad; o Roko, en el 40 con Luz.

Promusicae: número uno para Antonio Orozco

En una nueva demostración de que “La Voz” es un concurso que sirve más para que sus jurados aumenten su popularidad que para buscar nuevas voces, Antonio Orozco se coloca en lo más alto de la lista de discos más vendidos de España con Dos Orillas.

Britney Spears debuta con Britney Jean en el 12, mientras que Mago de Oz se colocan en el 14 con Celtic Land y Fangoria vuelve a entrar al 15 gracias a la reedición de Cuatricromía. Otras novedades de la semana son Muse en el 22 con Live at the Rome Olympic Stadium; Vetusta Morla en el 25 con la banda sonora que han hecho para el videojuego Los ríos de Alice; la Colección Definitiva de Miguel Bosé en el 32; Saturnino Rey, más conocido como Zatu, miembro de SFDK, con Yo Zatu y mi severa fractura de kráneo en el 41; Scorpions con MTV Unplugged en el 50; Franco Battiato y Antony & The Johnons con su disco conjunto Del suo veloce volo en el 61; Rapahel con Vuelve por Navidad en el 64; Tomeu Penya con Arruix en el 70; y Miguel Poveda & Rodolfo Mederos con Diálogos: De Buenos Aires a Granada en el 92.

En la lista de canciones Miley Cyrus sigue una semana más en lo más alto con Wrecking Ball, seguida de Manuel Carrasco con No dejes de soñar en el 2 y Hecho con tus sueños, de Efecto Pasillo con Leire, en el 3. La novedad más importante de la semana es la de Leiva en el 12 con Terriblemente Cruel, mientras que U2 se colocan en el 20 con Ordinary Love.

Curiosa es la entrada de The XX en el puesto 50 con Intro, canción de su primer disco, publicado en 2009.

Videoclips de altos vuelos

Como demuestra el estreno de Los Amantes Pasajeros, todo lo relacionado con la aviación siempre ha tenido un espacio privilegiado dentro de la cultura pop. Aviones, pilotos y azafatas han sido protagonistas de títulos que van desde Alas, la primera ganadora del Oscar a Mejor Película, hasta la reciente El Vuelo pasando por cintas como Aeropuerto, Aterriza como puedas, Atrápame si puedes, Serpientes en el avión o Todas las azafatas van al cielo, por citar algunos. El mundo de la música tampoco se ha quedado atrás, como veremos en este repaso a nuestro videoclips “de altos vuelos” favoritos.

7. Beautiful Day. U2.
En el año 2000 U2 publicaban All that you can’t left behind, su regreso a sonidos más clásicos después de su etapa más experimental y vanguardista (Achtung Baby, Zooropa y Pop). También marcó el comienzo de la decadencia artística del grupo irlandés. Grabado en el parisino aeropuerto Charles De Gaulle, Beautiful Day fue su sencillo de presentación.

6. Too lost in you. Sugababes
Love Actually es una de esas películas donde los aeropuertos tienen un protagonismo especial. Por eso no es de extrañar que el videoclip de uno de los temas principales de su banda sonora esté ambientado en uno. Heidi, Mutya y Keisha paseaban por Stansted mientras cantaban Too lost in you.


Sugababes – Too Lost In You on MUZU.TV.

5. Learn to fly. Foo Fighters.
En sus videoclips Foo Fighters han demostrado que tienen bastante sentido del humor. Además de ser uno de los mayores éxitos del grupo, Learn to fly es una parodia de clásicos de los setenta como Aeropuerto’77 y Aeropuerto 1975. Impagable ver a Dave Grohl vestido de azafato. Los Grammy valoraron su esfuerzo otorgándoles el premio a Mejor Videoclip en la edición de 2001.

4. Regina. The Sugarcubes.
Antes de que Björk fuera Björk, era la cantante femenina del grupo The Sugarcubes, una especie de versión islandesa de The B’52s. Editado en 1989, Regina fue uno de sus sencillos más conocidos, con un videoclip protagonizado por un viejo avión y la ceja de Björk.

3. Do-Wah-Doo. Kate Nash.
Kate Nash es una cantante británica que da la impresión de hacer lo que le da la gana sin preocuparse demasiado por las ventas de sus discos. En el videoclip para Do-Wah-Doo, una canción que suena al mejor pop femenino de los 60, Kate Nash interpreta a una azafata de la época embarcada en un turbulento vuelo.

2. Makes me wonder. Maroon 5.
El grupo de Adam Levine firmó uno de sus sencillos más elegantes y sensuales gracias a Makes me wonder, sencillo de presentación de su segundo disco y seguramente una de sus mejores canciones. El videoclip que le acompañaba consigue que el fastidioso proceso de embarcar en un avión se convierta en una experiencia llena de glamour.

1. Toxic. Britney Spears
Interpretando a una espía internacional disfrazada de azafata, Britney Spears consiguió uno de los videoclips más icónicos de su carrera. El hecho de que Toxic, el segundo sencillo de In the zone, sea una de sus mejores canciones -o la mejor- también ayudó mucho.

Bonus Track. Dragostea din tei. O-Zone.
Aun y todo, sospechamos que la aportación más almodovariana a esta lista es la que hicieron los moldavos O-Zone en el videoclip de su clásico imperecedero, Dragostea din tei.

Canciones para un fin del mundo

Hoy, cuando se produzca el solsticio de invierno, se terminará el mundo. O por lo menos, así es como han interpretado algunos que el final del calendario maya coincida con esa fecha. Si eres de los que estás deseando que se produzcan cataclismos de proporciones bíblicas, no lo dudes: ésta es tu canción para celebrar el fin de los tiempos.

It’s the End of the World as We Know It (And I Feel Fine) fue publicada por REM en 1987 como segundo sencillo de Document, el disco de su carrera con el que comenzaron a llegar a un público más amplio. Con el tiempo se ha convertido en una de las canciones emblemáticas de la banda, que solían tocarla al final de sus conciertos.

Sin embargo, si prefieres tomarte el fin del mundo con algo más de dramatismo, puedes optar por este tema de U2.

Until the end of the world nació a raíz de la propuesta que el director alemán Wim Wenders hizo a la banda para que compusieran algún tema para su película del mismo nombre. Incluida en Achtung Baby, uno de los discos esenciales para comprender los noventa, la letra del tema recoge una conversación entre Jesús y Judas Iscariote. Pero aun nos podemos poner más dramáticos sin entrar en disquisiciones religiosas.

Con The End, un tema de más de diez minutos de duración que nació a raíz de una ruptura amorosa de Jim Morrison para evolucionar a algo mucho más abstracto, se cerraba el primer disco de The Doors, publicado en enero de 1967. Francis Ford Coppola lo utilizó en Apocalypse Now, aumentando aun más su popularidad. Quizás sea mejor ponerle fin al mundo con un tema un poco más optimista.

Como decían los Beatles en la última canción que grabaron juntos durante las sesiones para el disco Abbey Road: And in the end, the love you take is equal to the love you make.

Mañana seguiremos viviendo en la era pop.

“NEVERMIND” Y OTROS COMPAÑEROS DE PROMOCIÓN

El 24 de septiembre de 1991 se publicó el segundo disco de un grupo de Seattle llamado Nirvana. “Nevermind” era su título. Las expectativas comerciales respecto al mismo eran escasas. Lo esperable era que llamara la atención entre el público local de su fría y lluviosa ciudad y de los aficionados más puristas que habían escuchado “Bleach”, su trabajo anterior. Sin embargo, como todos sabemos, “Smells like teen spirit” se convirtió en el himno de una generación, una de estas canciones que marcan una época y que consiguen que, de repente, todos los artistas y estilos musicales que dominaban el panorama se vuelvan caducos y obsoletos en un abrir y cerrar de ojos. Treinta millones de copias vendidas después, no está mal recurrir a la nostalgia y celebrar por todo lo alto el vigésimo aniversario de un disco mítico… aunque sospecho que muchos de los que ahora van a proclamar la vuelta de la estética grunge y a cantar las excelencias de la Generación X nunca se lo escucharon entero. De hecho, a mí “Nevermind” en su conjunto se me hace un poco árido.

NirvanaNevermindalbumcover

De todas formas, la nostalgia no debería cegarnos. Este año se celebra también el veinte aniversario de otros discos igualmente influyentes y memorables. Ya que hablamos del grunge y de Seattle, no podemos olvidarnos de Pearl Jam y su “Ten”.

Ten Pearl Jam

“Ten” se publicó el 27 de agosto de 1991. Era el primer trabajo de Pearl Jam, otro grupo de Seattle. Es cierto que el éxito de “Nevermind” sirvió para que el gran público se fijara en este trabajo y en los de otros grupos de la región como Soundgarden o Alice in Chains, pero esto no debería afectar a la valoración de este disco casi perfecto de guitarras compactas y letras dramáticas cantadas -y a veces prácticamente gritadas- por el carismático Eddie Vedder. “Alive” es un himno a la altura de “Smell like teen spirits”, una de la canciones fundamentales para entender la música de los noventa. Junto con los dos discos siguientes de la banda, “Versus” y “Vitalogy”, “Ten” forma una trilogía musical donde lo épico, lo trágico y lo intimista se combinan con brillantez.

R.E.M._-_Out_of_Time

Pocos meses antes de la explosión grunge, un grupo con una larga trayectoria a sus espaldas pasó de ser apreciado por una minoría a convertirse en grandes estrellas. “Out of time” se publicó el 8 de marzo de 1991. Era el segundo trabajo de R.E.M. con la multinacional Warner después de “Green” y el séptimo en la carrera del grupo. Acompañada por un magistral vídeo dirigido por Tarsem Singh, “Losing my religion” conquistó al gran público con sus mandolinas y su letra prácticamente incomprensible. Odiada por el propio grupo, que reniega de ella, “Shiny Happy People” no hizo más que aumentar la popularidad de un disco que, hasta la fecha, ha vendido más de dieciséis millones de copias. Algo hacia pensar que los gustos del gran público, el mismo que había hecho del “…But seriously” de Phil Collins un superventas en 1990, estaban cambiando.

u2 Achtung Baby

A principios de los noventa, grupos, sonidos y productores que habían reinado durante los ochenta daban muestras de agotamiento creativo. Ante la opción de renovarse o morir, U2 sorprendieron a propios y extraños publicando un disco que rompía con el sonido grandilocuente y mesiánico de “The Joshua Tree” para en realidad seguir siendo grandilocuente y mesiánico a través de toques electrónicos, guitarras distorsionados, percusiones más cercanas a la pista de baile y todo un discurso metalingüístico sobre los medios de comunicación y el audiovisual. Con el evidente toque en la producción de Brian Eno, “Achtung Baby” se publicó el 19 de noviembre de 1991 y, superado el desconcierto inicial, se convirtió en uno de los discos de la décadas más aclamados por la crítica y por el público que acudió fascinado a la mítica gira del ZooTV.

MassiveAttackBlueLines

Si hablamos de discos que renovaron el panorama musical e introdujeron nuevos sonidos, no podemos olvidar que el 8 de abril de 1991 se publicó “Blue Lines”, el debut de Massive Attack. De hecho, los críticos lo consideran el primer disco del hipnótico y envolvente Trip Hop y creador del llamado Sonido Bristol. Mezclando soul con electrónica con hiphop con sampleados, “Unfinished Sympathy” es la canción emblemática de un disco cuya importancia no ha hecho más que agrandarse con el paso del tiempo.

Michaeljacksondangerous

Publicado el 26 de noviembre de 1991, “Dangerous” es el último disco editado por Michael Jackson antes de que las acusaciones de abuso a menores dañaran para siempre su figura pública. A pesar de vender más de treinta millones de copias, “Dangerous” no fue demasiado bien recibido en su momento e incluso fue calificado de fracaso comercial y artístico. Sin embargo, el disco es un excelente ejemplo del denominado “New Jack Swing”, el género que dominó gran parte de la música negra durante la década de los noventa. Muchos trabajos de artistas de este estilo, como los soporíferos BoyzIIMen, han envejecido infinitamente peor que las canciones del disco del malogrado Rey del Pop.

Roxette Joyride

El 28 de marzo de 1991, el dúo sueco Roxette culminaba su racha de éxitos comerciales iniciada por “The Look” y continuada con “It must have been love”, con la publicación de “Joyride”. De sonido tan directo como intrascendente, tan pegadizo como el estribillo que cantaba “Hello, you fool, I love you”, “Joyride” es una excelente definición de lo que debería ser el pop comercial sin pretensiones. En muchos sentidos, Roxette son el último gran grupo de los ochenta.

Queen_Innuendo

El 24 de noviembre de 1991 fallecía el gran Freddie Mercury. Su discográfica, pocas semanas antes, había publicado el segundo volumen de los grandes éxitos de Queen, utilizando “The show must go on” como sencillo de presentación del mismo. Ésta era la canción que cerraba “Innuendo”, el último disco publicado por la banda en vida de Mercury, en febrero de ese mismo año. Ni que decir tiene que el tema y el recopilatorio se convirtieron en superventas durante meses.

blur-leisure

El 29 de agosto de 1991, un cuarteto de chicos londinenses publicaba su primer disco. Ellos eran Blur y “Leisure”, el nombre de su ópera prima. Publicado en el ocaso del denominado sonido Madchester, no es un disco excesivamente brillante ni tampoco fue un superventas en su momento. Sin embargo, en él se encuentran los primeros pasos del grupo que, tres años después, revolucionaría el panorama musical con el otro estilo que definiría los noventa: Britpop. Pero ya hablaremos de él cuando llegue su revival en un par de temporadas.

Mecano-Aidalai

Y mientras tanto, en España, se publicaba el 14 de junio de 1991 el último trabajo completo de estudio de Mecano, “Aidalai”. Según dice la Wikipedia, se han vendido tres millones y medio de copias de este disco en todo el mundo, un millón de ellas solamente en nuestro país. En él quedaba evidente que la ruptura personal y estilística entre los dos hermanos Cano era total. Nada tenían que ver los experimentos de Jose María con el pop más electrónico y ochentero de Nacho. Veinte años después, el disco se escucha con nostalgia por la época en la que éramos adolescentes, pero no se puede decir que haya envejecido demasiado bien. Quizás se salve de la quema su sencillo de presentación, responsable de que cada siete de septiembre nos acordamos del grupo que, para bien o para mal, definió toda una época del pop comercial de nuestro país.