Que el ritmo no pare

Katy Perry está volcada en la promoción de Chained to the rhythm, sencillo de presentación de su próximo disco, el quinto de su carrera (aunque el primero, su disco de pop cristiano llamado Katy Hudson, no cuenta). Hace un par de días estrenó su videoclip, una visita a un colorista parque de atracciones con un lado siniestro que no tarda en hacerse evidente. Sí, en efecto, como un episodio de Black Mirror o su madre ¿o abuela?, The Twilight Zone. Su director es Mathew Cullen, amiguito de Guillermo del Toro y responsable de otro clips para Katy Perry como Dark Horse o California Gurls, así como de Pork and beans de Weezer o Chasing Pavements, de Adele.

Este trasfondo oscuro de la canción ya ha sido comentado durante estos días, pero es interesante resaltar la ironía de utilizar sonidos y conceptos puramente pop para hablar de esa cultura pop que nos rodea y nos aliena. Podemos suponer, llevados por nuestros prejuicios, que Sia ha sido la responsable de aportar el componente intelectual al tema mientras que los productores y compositores Ali Payami y Max Martin se ha encargado de incorporar el infalible toque sueco para convertir en zombie al oyente. La aportación de Katy será la fabulosa rima de “bubble” con “trouble” y Skip Marley, el nieto del mismísimo Bob Marley, se habrá encargado de su rap.

La primera vez que escuché el tema me recordó al reciente Me and the rhythm de Selena Gomez, no-sencillo de su disco Revival del que es una de sus mejores canciones. Comparte con Chained to the rhythm la cadencia y el ADN sueco: está producido por Mattman & Robin, equipo detrás del Cake by the ocean, de DNCE o Run away with me, de Carly Rae Japsen. En efecto, ya sabéis que todo el pop que se hace en la actualidad sale de un ordenador emplazado en Estocolmo. Con estrofas como ésta (“Yeah all I need / Is the rhythm, me & the rhythm / Nothing between / Yeah the rhythm, me & the rhythm / And I know, I know, I know / I can’t fight it”), la canción podría ser el testimonio de una víctima de los efectos lobotomizadores del pop a los que se refiere Katy Perry.

Sin embargo, la referencia más evidente sería Slave to the rhythm, el clásico de los ochenta de Grace Jones. Trevor Horn, de The Buggles y Art of Noise, tuvo la idea de hacer un disco que consistiera en diversas variaciones de una misma canción. Primero se lo propuso a Frankie Goes To Hollywood, a quien les había producido Welcome to the pleasure dome, pero finalmente lo hizo con Grace Jones. Tanto la canción como su videoclip –en realidad, un recopilatorio de imágenes sacadas de otros videos de la cantante dirigidos por el fotógrafo y artista Jean-Paul Goude (a quien los más jóvenes del lugar conocerán por las fotos con las que Kim Kardahian rompió Internet)- definieron estéticamente los ochenta. En este caso el ritmo directamente se encarga de esclavizar a la gente cual Gran Hermano orwelliano: “Work to the rhythm / live to the rhythm / Love to the rhythm /slave to the rhythm”.

En los 90, esa década bipolar en la que lo mismo nos deprimíamos en la lluviosa Seattle como nos entregábamos al desenfreno en todo tipo de raves y rutas del bakalao, tuvimos una visión mucho más simpática del ritmo. Corona nos cantó The Rhythm of the Night y Snap hizo uno de los himnos del Eurodance con Rhythm is a dancer. Eran los tiempos del ritmo de la noche. Años después Bastille ya se encargó de revelarnos su lado oscuro con Of the night, un inquietante mashup de ambos clásicos. Su videoclip puede producir depresiones.

En fin, ya lo cantó Gloria Estefan en Rhythm is gonna get you, el ritmo te va a atrapar. Nada mal para una palabra de seis letras compuesta sólo por consonantes.

Lady Gaga: “Joanne”

Su mejor portada hasta la fecha

Lady Gaga siempre se guarda un as en la manga para utilizarlo en el momento adecuado. Entre estos comodines usados a lo largo de su carrera podemos contar la reedición de The Fame acompañada del EP The Fame Monster, que le ayudó a asentarse como una gran estrella de pop sin tener que lanzar un disco nuevo; su disco Cheek to Cheek junto a Tony Bennet y su actuación en los Oscars de 2015 con un popurrí de temas de Sonrisas y Lágrimas, que le sirvieron para recordarle al mundo que sabe cantar y que puede cultivar otros estilos musicales más allá de la chatarra electrónica de RedOne; su trabajo como actriz en American Horror Story, que le sirvió para ganar un Globo de Oro a la Mejor Actriz; y como no, su reciente actuación en el intermedio de la Superbowl, que le ha venido muy bien para demostrarle al mundo que la Mother Monster sigue viva y recordarnos que puede presumir de tener unos cuantos temas ya icónicos en su repertorio. Por supuesto, todas estas jugadas tienen un objetivo principal: seguir siempre de actualidad en los medios y las redes a pesar de que las ventas de sus últimos trabajos sean un tanto –o un mucho- decepcionantes.

Porque, aunque Joanne ha sido el cuarto disco consecutivo de Lady Gaga en conseguir el número uno del Billboard, sus ventas han estado muy lejos de ser millonarias. En la lista de fin de año de Billboard apenas ocupa el puesto 108, mientras que en la británica se encuentra en el 84. Tampoco los dos sencillos que se han publicado hasta ahora –Perfect Illusion y Million Reasons– han pasado de la parte media de las listas ni se han escuchado mucho en radios. Quizás Million Reasons tenga un poco más de recorrido después de la Superbowl, ya se verá. O puede que sea John Wayne el que cabalgue hacia lo más alto.

Sin embargo, tampoco podemos decir que Joanna haya sido un terrible fracaso, ya que ha cumplido con creces su principal función: permitir que Lady Gaga escape de la trampa en la que se había convertido su carrera después del terrible ArtPop. Jugando a ser una cantante country, una americana de pura cepa (a pesar de que ella es italiana y le gusta la pizza, gracias Desahogada), una chica dispuesta a perderse en las carreteras del Medio Oeste, Stefani Joanne Germanotta ha podido romper con la obligación autoimpuesta de ser electrónica, rompedora y eternamente original. Adiós a los trajes de carne y los chistes sobre Jeff Koons, bienvenidos los sombreros rosas y las historias personales. Lady Gaga ha dedicado su cuarto disco a su tía Joanne Stefani Germanotta, fallecida en 1974 a los 19 años. A pesar de que nunca la conoció, la cantante cuenta que su tía siempre ha sido una figura que ha ejercido una fuerte influencia sobre su familia y su carrera. No hay nada como volver al hogar para recuperar la senda perdida.

Y no hay nada como contar con la ayuda de Mark Ronson y BloodPop (el hombre detrás del Sorry de Justin Bieber, la canción que todos quieren plagiar) como compositores y productores para purificar tu sonido. Y si además en los créditos del disco figuran nombres como Beck, Florence Welch, Kevin Parker (de Tame Impala), Josh Homme (de Queens of the Stone Age), Father John Misty o Hillary Linsey (compositora country que ha trabajado con Carrie Underwood, Lady Antebellum o Keith Urban) en vez de RedOne, Zedd o David Guetta, parece que la apuesta por el cambio de sonido va en serio. Sin embargo, la personalidad (o el personaje) de Lady Gaga acaba prevaleciendo y, en el fondo, Joanne no es un disco tan distinto a los que le preceden. El country-rock de temas como A-Yo o Dancin in circles estaría en realidad más cerca de Shania Twain que de Dolly Parton; canciones como Diamond Heart o John Wayne (cuya letra podría haber firmado perfectamente Lana del Rey: “I crave a real wild man/ I’m strung out on John Wayne”) parecen salidas de una versión acústica de Born this way; y quizás los temas más interesantes del disco son precisamente los que más se distancian de esa apuesta country: ahí están el rock ochentero de Perfect Illusion; esa especie de revisitación del Guilty de Barbra Straisand y Barry Gibb que es Hey Girl, el dueto con Florence Welch; o Come to Mama, una canción a la que le falta un “Christmas” en la letra para haberse convertido en el villancico pop que hubiera asegurado unos ingresos fijos a Lady Gaga cada Navidad venidera.

Y es que Lady Gaga siempre se ha destacado por combinar los aciertos que salvan su carrera con errores garrafales que nos hacen dudar del criterio de sus managers. Ahí están la horrible portada de Born this way, la elección de sencillos como Judas o You & I, las vomitonas de colores de Swine y toda la era ArtPop en general, las pretensiones artísticas de extrema seriedad en las que cae una y otra vez a lo largo de su carrera… Puede que el videoclip de John Wayne estrenado esta semana, en el que vuelven los vestidos estrafalarios y las coreografías torponas, sea uno de estos tropiezos.

En todo caso, ya hemos visto que Gaga es capaz de reinventarse como Madonna y que, en cualquier momento, nos sorprenderá con algún nuevo éxito multiplatino, aunque puede que sea en dos, diez o quince años.

Canciones para una película de autor: Greatest Love Of All


Todos pensábamos que la ganadora del Oscar a Mejor Película En Habla No Inglesa iba a ser Elle o Neruda, o quizás Julieta. Pero nos equivocábamos: una vez anunciadas las nominaciones ninguna de esta tres películas conseguía una plaza en el quinteto final y el puesto de gran favorita lo ocupaba la alemana Toni Erdmann, una “comedia” dirigida por Maren Ade que ya había llamado la atención en el festival de Cannes y que había ganado en las categorías más importantes de los premios del cine europeo. Una vez vista la película, todos los elogios y galardones recibidos se quedan cortos: original e inclasificable, Toni Erdmann es cine del que llamamos “de autor” -de autora en este caso-, pero también una película que habla sobre padres e hijas, sobre cómo ser feliz en este mundo ultracapitalista, sobre cómo ser fiel a uno mismo y a sus deseos, además de dar varias ideas sobre cómo celebrar las mejores fiestas con tus compañeros de empresa.

Y todo esto lo consigue Ade mediante una narración que avanza libremente, oscilando entre la comedia y el drama, lo elegante y lo cutre, lo cotidiano y lo surrealista, una propuesta que puede desconcertar al espectador… o atraparle profundamente. Lo que es innegable es que quien la vea no podrá olvidar la escena en la que cobra protagonismo este clásico de Withney Houston, Greatest Love Of All.

Greatest Love Of All fue el séptimo y último sencillo extraído del disco de debut de Whitney, Whitney Houston, publicado en febrero de 1985, y se convirtió en uno de los mayores éxitos de su carrera, un baladón en el que dio rienda suelta a todo su poderío vocal. Fue número uno en el Billboard durante tres semanas de mayo de 1986, sucediendo en lo más alto de la lista a West End Girls de Pet Shop Boys y precediendo a Live to tell, de Madonna. Oh los 80, qué grandes eráis.

Greatest Love Of All era una versión de The Greatest Love Of All, una canción de George Benson grabada en 1977 para la banda sonora de la película The Greatest, biopic de Muhammad Ali en la que el boxeador se interpretaba a sí mismo. Al igual que con Nothing’s Gonna Change My Love For You, que Benson grabó primero pero siempre será un tema de Glenn Medeiros, el tema ya esté ligado para siempre a la figura de Whitney. De hecho, Gordon Lightfoot, que en 1987 puso una demanda en los juzgados alegando que el tema plagiaba una parte de su If you could read my mind, acaba retirándola por respeto a la cantante.

¿Y cuál es el amor más grande de todos? Pues nada menos que el amor a uno mismo: “Learning to love yourself / It is the greatest love of all”. Así visto, éste puede ser el mensaje de Toni Erdmann.

Resumen musical anual

En los años 90, cuando el Eurodance dominaba las pistas de baile y, por consiguiente, la radiofórmula, yo sabía distinguir perfectamente los sencillos de Snap, Culture Beat, 2 Unlimited o Corona sin problemas. Mi madre, devoradora de música desde los años sesenta, decía, en cambio que eran todas la misma canción. Hagamos ahora un flashforward hasta 2016 y me encuentro en la misma situación: no soy capaz de distinguir los temas del llamado Tropical House o “folkito fresquito” que ahora dominan el panorama comercial. Major Lazer, Kygo, The Avener, Lost Frequencies… ¿no acaban haciendo todos la misma canción, con los mismos tics y las mismas bases musicales? Los que llegaron para superar el EDM han acabado saturando el mercado y agotando a mis oídos. En fin, siempre nos quedará Calvin Harris, que escapó de la serpiente y volvió a cantar en un sencillo. My way es mi videoclip favorito de 2016.

Calvin, además, es de los que ha sabido que en el actual mercado publicar un disco es irrelevante. Un sencillo o dos te bastan para mantenerte en el candelero y construir tu carrera. Enrique Iglesias lo sabe y su Duele el corazón fue número uno en medio universo latino y países como Hungría, República Checa, Suiza o Rumanía. Shakira lo ha puesto en práctica con La Bicicleta y Chantaje. Justin Timberlake ha hecho de su Can’t stop the feeling fue una de las canciones más escuchadas del año. Jennifer Lopez lo intentó con Ain’t your mama, curiosamente ignorado en USA y UK, un éxito en el resto del mundo. Maroon 5 también se han apuntado a la moda con Don’t Wanna Know. Con permiso de Twenty One Pilots, Zara Larsson y The Chainsmokers han conseguido convertirse en dos de los artistas revelación de 2016 sin ningún disco a sus espaldas. En un mundo donde importan más las reproducciones en Spotify y los visionados en Youtube que las ventas reales, el LP parece un concepto del pasado.

Sin embargo, la carrera de los artistas sigue midiéndose por sus discos de larga duración, ya que parece que estos son declaraciones de intenciones y definen etapas estilísticas o temáticas. Adele ha sido la que más millones de copias ha vendido este año con 25, a punto de superar los 20 millones de ejemplares. Eso sí, hay que decir que ninguno de los sencillos que publicó este año ha conseguido igualar la fama de Hello o los que se extrajeron de 21. También hay que decir que el esfuerzo que hace en promocionarlos en casi nulo y así es como When we were young y Water under the bridge se han quedado sin videoclip.

Beyoncé ha sido la segunda artista más vendedora del año con Lemonade, disco con el que seguramente arrasará en la próxima edición de los Grammy. Paradójicamente, lleva sin tener un sencillo de auténtico éxito desde los tiempos de Sasha Fierce: se ha escuchado más en radios su colaboración con Coldplay en Hymn for the weekend que cualquier tema de Lemonade. Rihanna, en cambio, siempre se asegura tener un sencillo de éxito: por mucho que se suponga que Anti es su intento de hacer un disco coherente y ambicioso, al final no es tan diferente al resto de trabajos de su discografía. Lady Gaga apostó por el rock y el country en Joanne: quizás nunca vuelva a vender como en los tiempos de The Fame Monster pero por lo menos ha superado el bache creativo de ArtPop. Tras Hotline Bling, Drake se confirmó como una estrella global después de varios discos a sus espaldas gracias a One Dance. Lo mismo ha hecho The Weeknd, instalado ya entre los artistas más vendedores de la mano de Daft Punk. O Sia, convertida a estas alturas de su carrera en una inverosímil estrella pop. Bruno Mars no consiguió colocar 24K Magic en el número uno, pero viendo como agotó las entradas para su gira mundial en minutos no parece que tenga razones para preocuparse. Britney Spears, en cambio, quiso hacer un regreso por todo lo alto con Glory, pero se quedó a medio gas. Tampoco fue buen año para Kanye West: ser Dios en la tierra y estar casado con Kim Kardashian es demasiado para un hombre solo. La estrellita del pop del año ha sido, seguramente, Ariana Grande con su Dangerous Woman. Y si en años anteriores Miley Cyrus y Justin Bieber ya nos demostraron que nunca hay que despreciar a las estrellas del pop adolescente, este año fue Zayn el que nos dio Mind of mine, uno de los discos de pop más redondos del año. El más guapo de One Direction era el que tenía más talento.

Entre los favoritos de la crítica de este años nos encontramos con viejos conocidos como Bon Iver o Radiohead, mientras que lo nuevo de James Blake, The Last Shadow Puppets, M83 o Anohni fue algo ignorado en comparación con sus trabajos anteriores. También gustaron muchos los discos de la hermanísima Solange o Blonde, de Frank Ocean, que pueden terminar resultando más largos que un día sin pan. Sospecho que el paso del tiempo no les sentará nada bien. Creo, en cambio, que cualquier día Michael Kiwanuka se convertirá en una gran estrella. 2016 fue también el año en que vimos publicado, por fin, un nuevo disco de The Avalanches, quince años después de su debut. Un poco menos -11 años- les ha costado a los Rolling Stones publicar otro disco. Ellos siguen fieles al rock, ese estilo que cada vez vemos menos en las listas, al igual que Red Hot Chili Peppers, Metallica, Kings of Leon o Biffy Clyro.

Y como no, 2016 será el año que recordaremos por haberse llevado a George Michael, Leonard Cohen, Prince, Sharon Jones, Glenn Frey, Juan Gabriel, Manolo Tena, Black, Pete Burns… No olvidaremos como se despidió de todos nosotros David Bowie en Lazarus.

¿Y en España? El reguetón se ha convertido en el gran dominador del mercado de sencillos, con Maluma y J Balvin en cabeza. La sombra de La Voz es muy alargada en nuestra lista de ventas, mientras que en otoño nos dimos un baño de nostalgia y cobras recordando la primera edición de Operación Triunfo. Los 40 Principales nos sorprendieron al comenzar a pinchar a grupos como Love of Lesbian, Sidonie, Crystal Fighters o The XX, algo que tiene su lógica si tenemos en cuenta que no hay ciudad de España que no tenga su festival de música indie: hay ahí un enorme mercado por explotar. Volvimos a fracasar en Eurovision a pesar de llevar nuestra mejor propuesta en años y de que el Say Yay de Barei haya sido uno de los temas de esta edición más escuchados en Spotify. Y en 2017, nuevos discos de Lori Meyers, Los Planetas y La Casa Azul a la vista.

Vuelven a las listas por Navidad: “Last Christmas”, de Wham

Que las listas de sencillos incluyan las descargas digitales y las reproducciones en servicios de streaming han servido para que, desde hace varios años, haya canciones que reaparezcan en ellas cada Navidad. De hecho, Mariah Carey lleva años sobreviviendo gracias a lo que recauda con All I want for Christmas is you en cuanto las tiendas comienzan a decorar sus escaparates con espumillón y renos. George Michael, como autor, productor y voz de este tema, seguro que tampoco se queja de haber grabado a lo largo de su carrera un tema llamado Last Christmas.

Publicada en diciembre de 1984, Last Christmas se quedó en el segundo puesto de la lista británica, ya que el número uno navideño de aquella temporada fue Do they know it’s Christmas, el sencillo benéfico de Band Aid. Los de Frankie Goes To Hollywood fueron más listos, ya que lanzaron su The Power Of Love a finales de noviembre, ocupando el puesto más alto la primera semana de diciembre y regalándole al mundo pop otro clásico navideño. Sin embargo, a diferencia de ellos, el tema de Wham! volvió a colocarse en el segundo puesto en un relanzamiento en 1985, un sexto en 1986, un 45 en 1987 para después volver a entrar todos los años en las listas desde 2007. ¿Hay alguien en Reino Unido que no tenga ya la canción? Con casi dos millones de copias, es el sencillo más vendido que no ha alcanzado nunca el número uno en Reino Unido.

¿Y por qué? Quizás porque sea una de esas canciones que van directas al estribillo desde el primero momento, apostando por uno tan facilón como pegadizo. O por su videoclip, al más puro estilo telenovela de los ochenta, grabado en la estación de esquí suiza de Saas-Fee, repleto de laca y hombreras y en el que George Michael se mostró al mundo afeitado por última vez en su carrera. O quizás porque haya decenas de versiones a cargo de gente como Ashley Tisdale, Carly Rae Jepsen, Whigfield, Billie Piper, Cascada, Crazy Frog, Taylor Swift, Alcazar… O quizás por algo tan sencillo como tener la palabra “Christmas” en el título.

Colorado: Yo te siento así

Estos días se ha filtrado en las redes Song for Her, el sencillo que tres de las Spice Girls – Geri, Emma y Mel B- han presentado bajo el nombre de Spice Girls – GEM. Sin embargo, para el adolescente de los 90 que vive en mí, los únicos G.E.M. que existen son los que en los 90 llenaron pistas de baile con dos temas, tanto en sus versiones en inglés como en español: Yo te siento así (I feel you tonight) y Quiero Volar (I wanna fly).

Como es fácil de sospechar, el nombre del grupo estaba formado por las iniciales de sus integrantes: Germano Martucci, Enrico Buatti y Martina Parenti, aunque entre los compositores de este tema destaca el simpar Stefanpo Secchi. Si Italia ya había dominado el panorama del dance durante los 80, no se iba a quedar atrás durante la edad dorada del eurobeat noventero, regalándonos una serie de clásicos tan facilones como imperecederos a cargo de artistas como Double You, Corona, Alexia, Co.Ro feat Taleesa… Música absolutamente denostada en su momento y que, como le ha sucedido al Disco, ha envejecido muchísimo mejor de lo esperable. De hecho, Yo te siento así da para que un grupo indie de Albacete llamado Colorado (por el apellido de su líder, Modesto Colorado, un veterano que ya ha pasado con proyectos anteriores por Elefant y Jabalina) se presente al gran público con una curiosa versión entre acústica, intimista y melancólica que no hace sino subrayar las virtudes melódicas del tema.

The way I are a telephone

Ayer estábamos pasando el rato viendo videoclips en 40TV, esa cadena donde se atreven a emitir como “clásicos” clips de artistas que jamas sonaron en los 40 principales como Fiona Apple o Sigur Ros. VH1, mientras tanto, recordaba la década de los ceros con temas como el The way I are, de Timbaland ft Keri Hilson & D.O.E, una canción que sonó repetidas veces en la primera edición de Fama, a bailar.

Editado en julio de 2007, The way I are fue el segundo sencillo de Shock Value, disco en solitario que Timbaland publicó cuando era el productor más de moda del mundo gracias a su trabajo con Justin Timberlake en FutureSex/LoveSounds y con Nelly Furtado en Loose. Así pues, sólo tuvo que hacer unas llamadas de teléfono para contar con ellos dos en su disco, además de a 50 Cent, Dr. Dre, The Hives, Fall Out Boy, OneRepublic y hasta Elton John. A pesar de todo, Shock Value sólo llegó a un quinto puesto en el Billboard y a una segunda posición en las listas ingleas. Eso sí, los críticos alabaron a Timbaland por haber incorporado sonidos futuristas a la música negra del momento, aportando un toque electrónico, sexy y sofisticado al rnb de siempre. The way I are es uno de los mejores ejemplos del estilo Timbaland al que hasta Madonna se acabaría rindiendo pidiéndole que produjera Hard Candy, su último intento en serio de ser relevante y comercial para la juventud estadounidense. La canción vendió tres millones de copias en USA, fue número uno en UK, sirvió para que Keri Hilson iniciara su carrera como cantante en solitario después de años componiendo para otros artistas como The Pussycat Dolls y Britney Spears… pero si me llamó la atención anoche es porque, si aceleramos un poco el ritmo, acaba sonando igual que el “‘Cause I’m out in the club and I’m sippin’ that bub, and you’re not gonna reach my telephone” del Telephone de Lady Gaga ft Beyoncé, un tema que no necesita presentación.

Los de Popjustice ya destacaron esta similitud en su momento… ¿será que al final todas las canciones se parecen a otras?

Yo no te pido la superluna

La distancia de la Tierra a la Luna oscila entre los 357.000 y 406.000 kilómetros. Cuando se encuentra en fase de luna llena o luna nueva a menos del 10% de su distancia más próxima a nosotros -lo que se llama perigeo-, podemos disfrutar de una superluna y ver a nuestro satélite hasta un 14% más grande en el cielo. Esta noche podremos ver la superluna más intensa desde el 26 de enero de 1946 y no tendremos otra igual hasta 2 de diciembre de 2052. Esperemos que los cielos estén despejados.

Y entre todas las miles y miles de canciones dedicadas a la Luna, hoy me quedo con un clásico de mi tierna infancia ochentera: Yo no te pido la Luna, de Fiordaliso. O lo que es lo mismo, Non voglio mica la Luna.

Non voglio mica la Luna quedó quinta en el Festival de San Remo de 1984, que tuvo como ganadores a Al Bano y Romina Power con Ci Sarà. Compuesto, entre otros, por Zucchero, el de Baila Morena, se convirtió en el mayor éxito en la carrera de Fiordaliso, una cantante de pop de aires rockeros, y aunque el tema sea un one hit wonder en toda regla para el público hispano, la artista tiene más de una docena de discos a sus espaldas en el mercado italiano, el último publicado en el año 2015.

Yo no te pido la Luna llegó a nuestros oídos gracias a la mexicana Daniela Romo, que fue la primera en cantarla en español, adaptando la letra a su manera, apresurándose Fiordaliso a regrabarla y lanzarla en nuesto idioma al ver el éxito en listas de esta versión. Y aunque en España creo que es más recordada la versión de la italiana, en Sudamérica Yo no te pido la Luna terminó convertido en un clásico de la carrera de la mexicana. Y como no, tenemos unas cuantas versiones posteriores para todos los gustos: en los últimos años la han cantado también Pastora Soler, Sergio Dalma y la inigualable Javiera Mena.

So long, Leonard Cohen

Leonard Cohen lo sabía y nos dejó un disco para despedirse, You want it darker. Esta mañana nos hemos despertado con la noticia de su muerte serena, a los 82 años, en su casa de Los Angeles. Este año hemos despedido a muchos grandes artistas, pero este adiós en concreto me pone especialmente triste.

Mi madre cuenta que, al volver conmigo del hospital después de dar a luz, la canción que sonaba en el coche era So long, Marianne. Fue, pues, la primera canción que escuché en este lado de la realidad y forma parte de un extraño y privilegiado grupo de canciones de las que no recuerdo cuando las escuché por primera vez. Para mí es como si la hubiera conocido desde siempre.

So long, Marianne es una canción del primer disco de Leonard Cohem, Songs of Leonard Cohen, publicado en 1967 cuando Cohen ya tenía 33 años y varios libros de poesía a sus espaldas. Está dedicado a Marianne Ihlen, una mujer noruega a la que conoció en Hydra, una de las islas del Golfo Sarónico de Grecia, en 1960, justo cuando su marido, el escritor Axel Jensen, la había abandonado. Se enamoraron y Leonard se fue a vivir con ella y su hijo de seis años, primero en Oslo y luego en Montreal. Ella se convirtió en su musa e inspiró muchos de los poemas y canciones que escribió a lo largo de los sesenta. Aparece en la contraportada de su segundo disco, Song from a room.

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Marianne murió hace unos meses, el 28 de julio. Unos días antes recibió una carta de Leonard en la que decía que muy pronto la seguiría: “estoy tan cerca detrás de ti que tienes que saber que si estiras tu mano, creo que puedes alcanzarme”.

“Well Marianne it’s come to this time when we are really so old and our bodies are falling apart and I think I will follow you very soon. Know that I am so close behind you that if you stretch out your hand, I think you can reach mine. And you know that I’ve always loved you for your beauty and your wisdom, but I don’t need to say anything more about that because you know all about that. But now, I just want to wish you a very good journey. Goodbye old friend. Endless love, see you down the road”.

Adiós, Leonard. Gracias por todo.

Lo que nos dejó la operación: Parte II

Quedan unas horas para que los triunfitos suban al escenario del Palau Sant Jordi y yo sigo dándole rienda suelta a la nostalgia. Hoy repasamos qué ha dado de sí las (apasionantes) carreras de los ocho primeros clasificados, seguramente los más mediáticos.

Gisela: suéltalo sin complejos

Los azares del destino podrían haber hecho que Gisela fuera intercambiable por Geno o Mireia, pero en la gala 7 hizo la actuación de su vida junto a Chenoa con Somebody else’s guy y desde entonces el resto de su carrera ha sido una continua espereanza de que algún momento volviera a repetir algo así. Disney la escogió para cantar Aquella estrella de allá en la BSO de la secuela de Peter Pan y eso le aseguró un buen colchón económico: ser la voz de Elsa en la versión española de Frozen y cantar Suéltalo (aka Let it go) seguro que le ha reportado algún euro que otro. Por lo demás, aparte de Vida, lo mejor de la carrera de Gisela es que ha estado llena de momentos surrealistas como editar un disco de villancicos en exclusiva para Lidl, enseñarnos a beber agua de forma divertida en su videoblog o representar a Andorra en Eurovisión en el 2008, ganando merecidamente el premio al conjunto más horrible de la noche.

Nuria Fergó: ella es diferente

Nuria Fernández Gómez, Fergó para el mundo, tenía cierta experiencia como cantante y actriz antes de entrar en Operación Triunfo. Ellacantaba realmente bien, por lo que parece mentira que fuera una de las primeras nominadas. Además, aportaba el toque andaluz en una academia donde las voces femeninas jugaban más con el soul y las masculinas con lo latino. Ese factor diferente la ayudó a posicionarse muy bien en el mercado y a vender miles de copias de Brisa de Esperanza, el primer disco de un triunfito en conseguir el número uno en nuestra lista de ventas… y eso que lo grabó en una semana. Eso sí, con productores como Paco Ortega y Teo Cardalda (de Complices). Locura, su segundo disco, estuvo producido por Nacho Mañó (de Presuntos Implicados). Vendió menos, pero a diferencia de otros compañeros de promoción que no pasaron del segundo disco, Nuria siguió grabando trabajos con cierta regularidad y buenos resultados. Al fin y el cabo, el flamenquito fresquito en todas sus vertientes copleras y rumberas ha dominado gran parte del panorama comercial de la música nacional. Yo tengo debilidad por Paketenteres.

Nuria pasó por Amor en tiempos revueltos, grabó Tierra de nadie con la producción de DJ Sammy y parece que pronto sacará un nuevo disco de sonidos urbanos.

Verónica Romero: regresa a Miau

Verónica desafinaba, es un hecho. Basta con ver su actuación de Regresa a Mí para comprobar que podía alcanzar frecuencias cercanas al ultrasonido que la convertían en la triunfita favorita mi gato. Dicho esto, también es un hecho que tenía una presencia escénica que hechizaba al espectador y que no hay desafine que un buen Autotune no pueda arreglar. Verónica llegó a la final gracias a una inteligente jugada de David Bisbal, que la hizo clasificarse directamente gracias a su voto, y ahí más de quince millones de personas la vieron cantar One day I’ll fly away en el minuto de oro de la emisión. En Portalmix se rumoreó que Pumpin Dolls iban a ser los productores de su disco, pero que ella, espantada (como es lógico), los rechazó. Acabó grabando La fuerza del sol, un disco producido por Alejo Stivel que tiene algunos temas notables (El efecto del anís o Te dejaré de querer cuando se acaben los viernes) en medio de un batiburrillo de estilos e intenciones nada claros. Lo mismo pasaba con su segundo trabajo, Lluvia, donde también hay temas más que notables (Dos & Donts o Suerte que te tengo) en medio de la incoherencia general. Curiosamente, el pop hippy buenrollista que tanto le pega por personalidad es de lo que peor le sale musicalmente. En cambio, el dance electrónico le pegaba bastante: con un poco más de dinero y de promoción, No hay otro amor podría haber sido un éxito veraniego.

Verónica quedó después segunda en Supervivientes, grabó discos y sencillos con su propio sello discográfico y desde 2010 vive en Estados Unidos donde sigue trabajando como cantante con unos abdominales envidiables.

Manu Tunorio, es decir, Manu Tenorio

No puedo ser objetivo con Manu Tenorio porque a mí siempre me pareció que tenía una peligrosa tendencia a gritar como un tuno a su amada en el balcón en vez de cantar con sentimiento. Es una opinión personal y muy poco extendida porque el caso es que el primer disco de Manu Tenorio fue uno de los más vendidos de su edición. Tu piel lo petaba en Cadena Dial. En el videoclip lo acompañaba la futura señora de Thor, Elsa Pataky.

Manu Tenorio ha seguido grabando discos para delicia de las señoras mayores, algunos con portadas bastante bonitas. Aunque seguramente la portada por la que más gente le recuerda últimamente es por la de Men’s Health

“Chenoa, vuelve otra vez a soñar. Chenoa, algún día logrará su sueño. Chenoa, rayo de felicidad”

Laura Corradini se puso Chenoa como nombre artístico para que no la confundieran con Laura Pausini. Curtida en escenarios como el del casino de Mallorca, Chenoa venía dispuesta a comerse el escenario y lo consiguió. Consiguió vender más con el segundo sencillo, Cuando tú vas, que con el primero, Atrévete. Consiguió que su segundo disco, Soy mujer, fuera número uno, algo que el primero no consiguió. Consiguió abandonar las pistas de baile con el tercero para traernos Rutinas, la que seguramente sea su mejor canción… y que después ha repetido a lo largo de su carrera cual absurda cenicienta humana.

También ha protagonizado un momento fundamental de la Historia de España vestida con un chandal gris, pero como ella misma ha declarado recientemente: “Yo en chandal no salgo más”.

David Bustamante tiene el corazón blandito

David Bustamante bajó de un andamino de San Vicente de la Barquera para convertirse en cantante melódico y desatar un fenómeno fanático adolescente como no se veía en España desde… no sé, ¿Camilo Sesto? ¿Lope de Vega? Su primer disco contenía baladas de encanto añejo (por no decir, pasadas de moda ya en 1980) y temas latinos descartados del disco de Bisbal (pero que levante la mano el que no bailó en su momento El aire que me das o No soy un superman). El disco incluía decenas de fotos de Bustamante, entre ellas, un recatado desnudo integral, y en la reedición publicada un año después, un DVD de su gira que ofrecía la opción de ver durante todo el concierto su cara en primer plano. Del segundo disco, producido por Emilio Estefan, mejor no decir nada. Para Bustamante, la salvación vino en forma de reguetón con Devuélveme la vida. De las melenas que lucía en la época, mejor no decir nada.

David recuperó la cordura estilística poco después, se casó con Paula Echevarría, se puso cachas y ha grabado varios discos con decenas de baladas. Todos -menos uno- han sido número uno en España.

David Bisbal tiene el corazón latino

Hubo momentos en que todo Operación Triunfo parecía una gigantesca tapadera para presentar al mundo a David Bisbal. Quizás ése era el plan inicial: a ValeMusic le había ido muy bien convirtiendo a David Civera en nuestro representante en Eurovision con Dile que la quiero y le interesaría repetir la jugada. Pero como en Granujas de medio pelo, las maniobras de distracción acabaron creciendo y teniendo más éxito que la idea original. OT se convirtió en una máquina de hacer dinero y David Bisbal paso de ser un aspirante eurovisivo a convertirse en una estrella mundial, ganadora de un premio Grammy Latino al artista revelación con su primer disco, Corazón Latino. Repitió éxito con su segundo trabajo, a pesar de que, pasado el tiempo, podemos afirmar que Bulería era una porquería. Su tercer disco, Premonición, sonaba más a música de verdad. De hecho, Silencio consiguió colarse en las listas de sencillos más vendidos de Alemania, Suiza y Austria. Están locos estos germanoparlantes.

No podemos olvidar que David Bisbal también ha dado grandes momentos a la cultura contemporánea compartiendo perlas de sabiduría en su cuenta de Twitter sobre las piramides de Egipto.

Rosa, propiedad de nadie

Rosa enamoró a España y España se la proclamó en propiedad. Desde entonces, toda la carrera de Rosa de España ha sido una larga y frustrante búsqueda de un disco que esté a la altura de su talento. Pero ésta es una misión imposible, porque… ¿qué tradición hay en nuestro país de cantantes con una voz nacida para el soul, el jazz y el blues? Rosa tendría que haber nacido negra y en Nueva Orleans, o en una barriada pobre de Londres, y haber arrasado en todo el mundo a base de temazos de los que rompen el corazón. Como no sucedió así y nació en Granada, Rosa tuvo que sufrir un terrible disco de debut producido por Alejo Stivel, a quien debían haberle encarcelado por aquello de Caradura, caradura, donde vas prometiendo la Luna. Entre otros intentos de buscar su sitio, Rosa también ha tenido que pasar por Promesas, un disco de versiones de temas como Wonderful Life o Still Loving You… traducidos al español; Ojalá, un disco de villancicos… que se vendía acompañado de una participación al gordo de Navidad de aquel año; Propiedad de nadie, un disco compuesto integramente por José Luis Perales; Rosa López, un disco que incluía una versión dance del Yo no soy esa de Mari Trini… En fin, personalmente, creo que el disco en el que se sintió mejor fue Ahora, en el que los tan eficaces como temibles hermanos Ten se dieron cuenta de que si Rosa era fan de Donna Summer, ¿por qué no hacerle un disco de música disco? Al fin y al cabo, soul español no ha habido pero aquí hemos inventado el bacalao.


Rosa Lopez – "Don't Stop The Music" von Galiza

Quizás haya llegado el momento de que Rosa dejé de ser “de España” para ser de ella misma. El amor del público siempre lo va a tener.