Spotlight: un homenaje a un periodismo que ya no existe

Cuando DiosMorgan Freeman abría el sobre con el nombre de la ganadora del Oscar a Mejor Película, todo parecía indicar que El RevenidoRenacido sería la escogida como triunfadora de la noche aunque algunos aun albergaban la esperanza de que Mad Max se lo impidiera. Seguramente nadie esperaba que Spotlight, que hasta el momento sólo había ganado el premio al Mejor Guión Original, justo al comienzo de la velada, fuera la premiada. Y sin embargo, una vez repuestos de la sorpresa, todo parecía ser lo más lógico.

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Aunque parezca lo contrario, la Academia de Hollywood actúa con bastante criterio. Ya lo demostró esta noche, premiando a Mark Rylance por su estupendo trabajo en El puente de los espías antes que darle un galardón nostálgico a Sylvester Stallone o reconociendo al tema de Spectre a cargo de Sam Smith antes de la anodina balada de Lady Gaga y Diane Warren. Eso sí, seguramente Tom McCarthy no haya ganado el Oscar a mejor director por Spotlight por no ajustarse al arquetipo idealizado de gran autor al que Iñarritu sí se ajusta, un prejuicio que ha convertido al mexicano en el único director en conseguir la estatuilla dos años consectuivos junto a John Ford y Joseph L. Mankiewitz. El porqué han preferido endiosar aun más a Iñárritu y no premiar a George Miller por su épica labor al frente de Mad Max ya pertenece a los misterios de la Academia, aunque seguramente se puede aplicar a cierta falta de valor a la hora de reconocer los méritos que implica poner en marcha un gran artefacto de acción sin freno.

Otras pistas nos indicaban que El renacido no sería la triunfadora, como el “pequeño” detalle de que la película no era candidata al premio al mejor guión (es fácil entender por qué), mientras que Spotlight pertenece, indudablemente, a ese grupo de películas con mensaje “importante” y, por tanto, fácilmente merecedoras de premios (sí, 12 años de esclavitud, te estoy mirando a ti). Sin embargo, la explicación más sencilla es que Spotlight es mejor película. Y ya.

Esta recreación de como el equipo de investigación Spotlight del periódico The Boston Globe destapó como las autoridades de la Iglesia católica habían tapado durante décadas centenares de casos de abusos sexuales a niños por parte de sacerdores es una de esas películas que podemos adjetivar como “necesarias”. Excelentemente interpretada por un equilibrado reparto en el que quizás destaquen Mark Ruffalo, Liev Schreiber y Michael Keaton, Spotlight no carga las tintas en ningún momento ni narrativa ni estilísticamente. De hecho, su estilo de dirección y de montaje casi invisible la acerca más a las cintas de los años setenta que quiere homenajear, como Todos los hombres del presidente, de la que puede ser una sucesora en los corazones de los estudiantes de Periodismo del mundo. Esta contención es su gran virtud, ya que deja que el horror de los hechos denunciados hable por sí mismo: aquí no hay una gran conspiración que destapar, ni grandes melodramas que afecten a los periodistas. Apenas sabemos nada de sus circunstancias personales: lo importante es verlos hacer un trabajo que consiste en saber qué preguntar, a quién preguntar y no descansar hasta obtener una respuesta. Y ese tono realista permite decubrir otro gran horror actual, al comprobarse que es el propio sistema el que impide destapar estos casos sin que nadie haga ningún esfuerzo consciente para ello: los periodistas se preocupan por otras noticias, o no tienen tiempo para investigar a fondo un asunto que requiere esfuerzo y dedicación, los responsables del periódico no demuestran demasiado interés por temas que puedan ser polémicos, la burocracia se convierte en un obstáculo en sí misma sin que nadie la controle… Cuando no hay un gran enémigo, no se sabe contra quien hay que luchar.

Spotlight es también un homenaje a un periodismo que seguramente esté en vías de extinción si no ha muerto ya. Esas grandes redacciones que se podían permitir mantener equipos de periodistas dedicados a la investigación porque tenían unos lectores fieles que daban credibilidad a lo que aparecía publicado en las páginas del diario son ya cosa del pasado, arrastradas por la crisis económica y el cambio de modelo que ha supuesto la irrupción de Internet y las redes sociales. Ya no se valora la profundidad, sino que prima la inmediatez, el click impulsivo, el contenido fácil, sensacionalista y youtubiano. Los medios no pueden enfrentrarse a anunciantes, autoridades y mercado, atados de pies y manos por unos ingresos menguantes. Spotlight está ambientada en 2001, pero en muchos aspectos es como si transcurriera en un tiempo muy, muy lejano.

Spectre

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Parece mentira, pero a estas alturas aun hay gente que manifiesta su escepticismo hacia la capacidad de Daniel Craig para interpretar a James Bond. Para despejar esas dudas, basta con ver Casino Royale y Quantum of Solace, un díptico donde la segunda sirve de epílogo a la primera y que demuestra que con los arquetipos de la saga se puede obtener como resultado películas de acción trepidante donde el guión funcione como un mecanismo de relojería y las relaciones entre personajes tengan credibilidad e incluso emoción.

Por desgracia, Spectre prefiere seguir el camino de Skyfall. No es de extrañar, ya que la cinta dirigida por Sam Mendes donde se recuperaban viejos personajes de la saga como Moneypenny o Q y se exploraba el pasado personal de Bond consiguió recaudar más de mil millones de dolares en todo el mundo, colocándose así entre las películas más taquilleras de la historia. En Spectre Mendes repite como director y John Logan vuelve a firmar el guión: aquí no sólo repiten Moneypenny o Q, sino que además se recupera a la mítica Spectre como organización criminal internacional con todos sus elementos identificativos, desde el logotipo del pulpo hasta la figura del villano acompañado de su pertinente gato. Por si fuera poco, Spectre no se corta en homenajear situaciones y escenarios icónicos de otras entregas de la saga: tenemos un tren para que Bond intime con su chica Bond de turno como en Casino Royale o se enfrente a un matón como en Desde Rusia con amor; tenemos una clínica aislada en la cumbre de los Alpes a la que se accede por teleférico como en 007 al servicio de su Majestad; e incluso tenemos una guarida situada en un cráter como en Sólo se vive dos veces donde Bond y su chica son recibidos atentamente por el villano de la película…

Y por supuesto, tenemos viajes alrededor del mundo, coches con trucos, conspiraciones para dominar el mundo, mujeres hermosas, persecuciones imposibles, etc… Sin embargo, nos faltan los elementos que hicieron de Casino Royale, Quantum of Solace e incluso Skyfall películas que se colocaban por encima del típico blockbuster. Aquí falta el desarrollo emocional de los personajes, especialmente entre Bond y la doctora interpretada por Léa Seydoux, una relación que no funciona en ningún momento a pesar de ser básica para los acontecimientos que se desarrollan en la segunda mitad de la película. Y lo que es peor, falla la lógica narrativa más simple, la que intenta establecer los objetivos de los protagonistas (pocas veces se ha visto a un villano con un plan más desdibujado que el de Spectre) o enlaza unos hechos con otros con cierto sentido. También roza el absurdo intentar conectar todas las películas anteriores protagonizadas por Craig con ésta, reduciendo a Quantum y al gran antagonista de Casino y Quantum a un papel anecdótico e incongruente, mientras que la nueva exploración del pasado de Bond resulta absolutamente irrelevante.

Todo esto sería perdonable si Spectre fuera un espectáculo grandilocuente y desprejuiciado como gran parte de las cintas de la saga, pero aquí el humor y lo kitsch brillan por su ausencia tanto como el suspense o la emoción. Una vez terminado el plano secuencia con el que arranca la película, una escena ambientada en un Día de los Muertos tan fiel a la realidad como aquellas procesiones de Semana Santa en Sevilla combinadas con las Fallas de Valencia que vimos en Misión Imposible 2, todo lo que queda en Spectre es una sucesión de despropósitos por la que Daniel Craig se mueve con cierta desgana hasta terminar en un climax no muy diferente al de cualquier blockbuster de acción de serie B.

¿Quizás el problema de fondo sea que Casino Royale y Quantum of Solace eran películas Bond para espectadores a los que no les gustaban las películas de 007? Puede, pero eso no es excusa para hacer una película tan insatisfactoria y, en el fondo, aburrida, como Spectre.

Regresión

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Desde su debut con Tesis allá por el año 1996, todas las películas de Alejandro Amenábar han optado al Goya a la Mejor Película, premio que se llevaron su mencionada ópera prima, Los Otros y la oscarizada Mar Adentro. Por tanto, no es de extrañar que Regresión, su regreso al cine de género que le encumbró en los comienzos de su carrera y que llega a las pantallas seis años después del estreno de Ágora, generara grandes expectativas.

Expectativas que, vista la reacción imperante en las redes sociales, se han visto claramente defraudadas.

Se dice por ahí que Amenábar tenía otro proyecto en mente, más personal, de cara a su sexta película, pero que sus productores le presionaron para que firmara una película más comercial, un thriller de aire sobrenatural con más atractivo de cara a la taquilla. Sean rumores o verdad verdadera, aquí está entre nosotros Regresión, una película ambientada en un pequeño pueblo de Minnesota a mediados de los noventa donde un padre es acusado por su hija de haberla sometido a abusos sexuales que él no recuerda. El detective encargado de la investigación, Bruce Kenner, recurre a la ayuda de un prestigioso psicólogo para que reviva los recuerdos reprimidos del padre mediante la técnica de regresión. Comienza así a destaparse una trama que implica a una secta satánica en la que pueden estar implicadas muchas más personas de las que parece. Kenner se entregará en cuerpo y alma a resolver el caso, llegando a caer en un estado casi psicótico donde los limites entre realidad y fantasía llegan a confundirse.

Hay películas que recurren a un giro final para sorprender al público y cambiar el sentido de todo lo narrado: ahí está El Sexto Sentido como ejemplo arquetípico, pero es un recurso habitual y facilón, desde Instinto Básico a Sospechosos Habituales pasando por Ciudadano Kane. Regresión podría ser una de ellas… si no fuera porque el propio Amenábar desvela este giro final mucho antes del propio final de la película en una maniobra completamente intencionada. Como sucedía con Babadook, vendida al público como una película de terror, Regresión es más bien una disección del género de terror, esta vez en su vertiente satánica, promocionada como lo que no es. La decepción del espectador, que esperaba asustarse en su butaca, es más que lógica. Regresión es más bien una adaptación a nuestro tiempo de Las brujas de Salem, el clásico de Arthur Miller, un estudio sobre la psicosis colectiva y la facilidad de creer en una mentira pronunciada por la persona adecuada, antes que una nueva vuelta de tuerca a los exorcismos, las posesiones y las casas encantadas. El problema de las películas que juegan a parecer lo que no son es que lo que parecen tiene que ser atractivo por sí mismo para funcionar del todo y aquí eso no termina de suceder.

Quizás el gran problema de Regresión sea su frialdad, algo que ya perjudicaba a otras películas de Amenábar. Todo resulta correcto en ella, desde la dirección de Amenábar hasta la interpretación de sus actores, con Ethan Hawke a la cabeza y una Emma Watson en un papel mucho más secundario del que la publicidad da a entender, pero en ningún momento sorprende o apasiona. Y es que, en el fondo, parece que a Amenábar tampoco le apasionaba lo que estaba contando.

Inside Out

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Durante mucho tiempo referirse a las películas producidas por Pixar como “la última maravilla de Pixar” llegó a convertirse casi en un tópico. Sin embargo, la infravalorada Cars 2, la desconcertante Brave y la irrelevante Monsters University (seguramente la peor película de la casa) acabaron por convertir el tópico en un comentario nostálgico: ¿Os acordáis cuando Pixar hacía maravillas? Afortunadamente, la productora del flexo ha vuelto a sus raíces para ofrecernos Inside Out -llamada en España Del Revés-, una obra maestra que es, quizás, la película más infantil y la más madura que Pixar ha hecho hasta ahora.

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Porque Inside Out es una aventura infantil, protagonizada por Riley, una niña de once años que tiene que enfrentarse a las consecuencias de mudarse de Minnesota a San Francisco: nueva casa, nuevo colegio, nuevos entornos… Paralelamente, vemos el funcionamiento de su mente, regido por cinco emociones básicas: Alegría, Asco, Miedo, Ira y Tristeza, pequeños personajes de brillantes colores y aspecto suave que viven originales y divertidas aventuras dentro del animado universo que encierra el cerebro de Riley. Al fin y al cabo, todas las películas de Pixar consisten en el viaje de dos personajes muy diferentes que acaban haciéndose amigos mientras corren divertidas aventuras para los más pequeños.

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Y sin embargo, también es verdad que las mejores películas de Pixar acaban funcionando a muchos niveles de lectura. Ratatouille es mucho más que la historia de una rata cocinera, Los Increíbles es una adaptación camuflada de Watchmen, Wall-E es una de las más emocionantes historias de amor llevadas a la gran pantalla y la trilogía de Toy Story es una meditación sobre el hacerse mayor. Inside Out también es una reflexión sobre lo que supone madurar, pero lo hace de una manera mucho más profunda y certera, apelando a la necesidad de que las emociones dialoguen entre ellas -las que protagonizan la película y las que mueven al espectador- para poder crecer. Inside Out nos enseña que las cosas no tienen un único color y que la vida y los recuerdos tienen muchas gamas y matices. Y lo hace mediante una historia llena de imaginación y metáforas, repleta de detalles que sólo apreciarán en su totalidad los espectadores adultos: desde la referencia a los “osos” de San Francisco, pasando por el guiño a Chinatown o la rápida pero certera reflexión sobre Hechos y Opiniones, hasta la brillante secuencia en la que los personajes atraviesan las distintas etapas artísticas y filosóficas que llevan a la abstracción: una película de dibujos animados con chistes sobre cubismo y suprematismo es una película muy segura de sí misma.

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Y todo se lo debemos a un equipo encabezado por el director y coguionista Pete Docter, responsable también de Up (de la que recordaremos siempre esas emotivas y magistrales secuencias protagonizadas por Carl y Ellie mientras olvidamos sus otros puntos débiles), que sabe poner todas las piezas al servicio de la historia. Todo encaja en su conjunto: la animación no requiere de momentos espectaculares ni el diseño de personajes es especialmente sofisticado (los creadores han optado más bien por inspirarse en clásicos de la animación como Tex Avery o Chuck Jones), tampoco la brillante música de Giacchino toma más protagonismo del que debe. Pixar sabe qué la fuerza de una película reside en su guión y por eso colecciona candidaturas al Oscar en ese categoría. Y seguramente Inside Out se lleve unas cuantas el próximo año para celebrar el retorno de Pixar al camino de las grandes obras. Las echábamos de menos.

Jurassic World

A pesar de que su primer trailer fue recibido con críticas y risas, Jurassic World se ha convertido en un enorme éxito comercial que ha sorprendido a propios y extraños: sólo trece días después de su estreno ha conseguido superar la barrera de los mil millones de dolares recaudados en todo el mundo, superando así el record de Furious 7, que lo consiguió en diecisiete días.

The Park is Open (Plano no incluido en la película)
The Park is Open (Plano no incluido en la película)

Quizás sea el poder de la nostalgia que hace que aquellos que eran niños cuando se estrenó Parque Jurásico hayan arrastrado a sus propios hijos a ver la cuarta entrega de esta serie. O quizás sea porque, como dicen en TvTropes, todo es mejor con dinosaurios. Aunque eso implique muchas veces que, como también dicen en TvTropes, en alguna parte un paleontólogo esté deshaciéndose en lágrimas… Siendo justos, Jurassic World no es tan mala como me temía. Pero, desgraciadamente, tampoco es tan entretenida como parece.

Estamos en la Isla Nublar. El parque de atracciones protagonizado por dinosaurios se ha construido y recibe miles de visitantes que acuden a un recinto donde todo es grande y futurista, más cerca de EPCOT que del Safari Park. Sin embargo, diez años después, el público parece haberse cansado de ver dinosaurios (¿me estás hablando en serio?) y la única opción que se le ocurre a la dirección del parque para volver a ponerlo de moda es crear un engendro híbrido basado en el Tyranosaurio y otras terribles especies animales como la sepia (la posibilidad de revivir al Carnotaurus no fue estudiada con la atención necesaria). Lo malo es que algunas divisiones de la empresa propietaria del parque tienen otros objetivos para sus quiméricas creaciones… Sí, ésta es una de esas películas cuyo argumento sólo es posible si sus protagonistas toman siempre las peores decisiones posibles y se les ocurren las ideas más absurdas. Sí, en esta película hay Velociraptores amaestrados, pero la subtrama, sorprendentemente, acaba de funcionar mejor de lo que parece.

No vamos a pedirle profundidad a un guión que no lo necesita. Tenemos malos muy malos y héores muy heroícos, un alto despliegue de efectos especiales, y dinosaurios. ¿Quién necesita más? Lástima que haya largos ratos de la película en la que los dinosarios, incluso los que parecen una amenaza inmminente, desaparezcan de la pantalla sin dejar rastro. Lástima también que haya secuencias lacrimógenas destinadas a dar algo de profundidad dramática a los personajes que sólo consiguen despertar risa y/o aburrimiento. Lástima también que junto a los arquetipos tengamos una serie de personajes absolutamente desdibujados y que no terminan de perfilarse en ningún momento: Claire, la directora del parque, tiene todas las papeletas de haber sido la villana de la película en alguno de los múltiples borradores del guión que han existido, fría e insensible, para acabar convertida en una mujer de acción cuyos tacones de aguja aguanta miles de carreras por la selva (no así su alisado japones, que sucumbe a la humedad tropical en cuanto sale de la oficina). Yo no puedo evitar pensar en los años de cárcel y las indemnizaciones millonarias a los que va a tener que hacer frente como responsable de este catastrófico parque…

Pero todo esto sería perdonable si Jurassic World se hubiera atrevido a ser la frenética cinta de serie B con presupuesto AAA que parecía destinada a ser. En muchos casos se queda a mitad de camino: no se atreve a seguir el camino autoparódico, postmoderno y referencial que apuntan personajes como el técnico de control interpretado por Jake Johnson o un desenfadado Chris Pratt, pero tampoco es una película que se tome en serio a sí misma a lo Nolan. Tampoco los apuntes paródicos como la evidente inclusión de marcas y product placement, supuestamente un deliverado intento de sátira por parte de los responsables, funcionan. El director Colin Trevorrow intenta crear algún momento de acción memorable mediante un plano secuencia a lo Cuarón en el enfrentamiento final entre dinosaurios, pero en el resto de escenas acaba acusando falta de garra, de ritmo o de paciencia. Hay una evidente falta de sentido de la maravilla y de lo espectacular que sí tenía Parque Jurásico y que hace que, más de dos décadas después, aguante revisionados sin problemas. Esperaremos a la siguiente entrega.

Eso sí, a Trevorrow podemos agradecerle el intento de haber reintroducido el formato de pantalla 2:1 en nuestras salas de cine…

It Follows

De todos los géneros cinematográficos, puede que el de terror sea el que más establecidas tiene sus reglas narrativas y estéticas, para bien y para mal. Sus personajes son arquetipos, así como los temas de fondo que tratan sus narraciones. Situaciones y lugares han hecho de él un género que se permite jugar con la postmodernidad desde hace décadas (desde Scream hasta La Cabaña del Bosque, por citar ejemplos más o menos recientes) y que puede caer en lo paródico tanto voluntaria como involuntariamente. Efectismo, gore y remakes de todo lo imaginable han sido las armas más utilizadas por el género durante los últimos años. Por eso, cuando surge una película que navega contra corriente sin traicionar los principios del género y consigue que uno salga del cine mirando con temor si alguien le sigue, es obligatorio hablar de ella y recomendarla.

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…y sigue, y sigue, y sigue, y sigue…

It Follows es la segunda película del director y guionista David Robert Mitchell, curtido en el cine independiente estadounidense. Su primera incursión en el género del terror bebe directamente de las películas de los años setenta, especialmente de George A. Romero, John Carpenter y su noche de Halloween: estamos en una película ambientada en uno de esos barrios residenciales tan típicamente americanos y protagonizada por un grupo de adolescentes más o menos variopinto, encabezado por la bella rubia -menos inocente y más espabilada que otras rubias del género, eso sí- interpretada por una Maika Monroe que se incorpora sin problemas con su trabajo en esta película al panteón de Scream Queens. En este paisaje decididamente atemporal y anacrónico, una sensación conseguida no sólo con la dirección artística sino también con una notable banda sonora casi minimalista con los sintetizadores como grandes protagonistas a cargo de Disasterpiece, en este entorno donde el mundo adulto está prácticamente ausente, la heroína y sus amigos deben enfrentarse a una amenaza sobrenatural tan simple como inexorable. Si la calidad de una película Bond se mide por el carisma de su villano, lo mismo puede decirse en este caso: la fuerza de esta amenaza no reside tanto en su poder destructivo sino en el hecho de que su presencia es, a la larga, inevitable e indestructible.

Y esta característica no es precisamente sencilla de trasladar a la pantalla, dada su sutileza. Sin embargo, David Robert Mitchell consigue impregnar la pantalla de terror con elegantes movimientos de cámara y los encuadres adecuados, logrando que lo invisible a los ojos dé más miedo que cualquier asesino psicópata de tres al cuarto. En It Follows, el horror no se esconde en el fuera de campo, agazapado para asustar a la audiencia en un golpe de efecto, sino que se mueve a sus anchas por la parte trasera del plano, avanzando lenta pero firmemente hacia su objetivo. Cierto es que la parte final de la película no está a la altura de toda su parte inicial, pero incluso ese clímax en una piscina que puede hacernos pensar tanto en La Mujer Pantera como en Déjame Entrar, resulta más que disculpable en comparación con los muchos aciertos de It Follows.

Canciones para una película gamberra: Give it up

En Kingsman, Mattew Vaughn demuestra un sentido del humor negro e iconoclasta durante todo su metraje, alcanzando uno de los momentos cumbres en una explosiva secuencia ejecutada al son de Pompa y Circunstancia, además de rodar escenas de acción y violencia de ritmo frenético y claramente planificadas. Quizás le falte algo de la inteligencia que sí tenía Kick Ass para ser algo más de un chiste a costa de las películas de espías, pero el buen rato está más que asegurado. Lo que sí tienen en común ambas películas es una banda sonora igualmente iconoclasta, al estilo de los caprichos musicales de Tarantino. Sólo así se entiende que la canción escogida para acompañar su clímax sea un clásico de KC and the Sunshine Bang: Give it up. El videoclip puede dar pesadillas, aviso.

KC and the Sunshine Band fue uno de los grandes grupos del sonido disco, combinando letras intrascendentes y toques de funk en las guitarras para firmar algunos himnos de las pistas de baile de finales de los 70 como Get Down Tonight, That’s The Way I Like It o I’m Your Boogie Man. Give it up fue su último éxito, publicado en 1983 cuando la música disco era un neblinoso recuerdo de flecos y lentejuelas. Aun y todo, consiguió ser número uno en el Reino Unido durante tres semanas después. Sin embargo, muchos adolescentes de los noventa conocemos la canción por la versión eurodance que hizo el grupo danés Cut ‘N’ Move en 1993 y que sonó hasta la saciedad en radiofórmulas y todo tipo de recopilatorios. El videoclip, como todos los de su estilo de la década, está hecho con cuatro duros.

No sé cuál de las dos versiones del tema da mayores ganas de matar…

Birdman versus Boyhood

Los Oscars de 2015 se saldaron con un ganador claro, Birdman, y un perdedor evidente, Boyhood. Whiplash consiguió llevarse tres merecidísimos premios al mejor actor secundario, sonido y montaje y debería haberse llevado alguno más, como el de Guión Adaptado, categoría en la que los académicos patinaron enormemente concediendo la estauilla a The Imitation Game. El gran hotel Budapest se llevó varios premios técnicos en los apartados de diseño de producción, vestuario y maquillaje, mientras que Alexander Desplat se llevó, por fin, el Oscar por su maravillosa partitura para la bonita pero no tan satisfactoria película de Wes Anderson. También Julianne Moore se llevó, por fin, el premio a la Mejor Actriz por Siempre Alice, una película que no recordaremos en unos meses a la hora de repasar la carrera de una intérprete que cuenta con títulos en su haber como Las Horas, Un Hombre Soltero, Lejos del Cielo, Magnolia, El final del romance, Boogie Nights… Eddie Redmayne, por su parte, consiguió el premio al Mejor Actor por su magistral trabajo en La Teoría del Todo, película que hubiera merecido quizás, algún reconocimiento más para su maravillosa Felicity Jones o el trabajo de su director James Marsh.

Birdman

Yo titularía mi crítica sobre Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia) con un “Birdman o la pesada virtud de la excelencia”. La película del mexicano Alejandro González Iñárritu se ha llevado los premios a Mejor Película, Director, Guión Original y Fotografía. Birdman es una película ambiciosa formal y temáticamente, un salto mortal que podía haber acabado en triunfo o en desastre: una vez ejecutado, los jueces han decidido que el resultado ha sido un éxito total. La pirueta de Iñárritu, su juego metalingüístico entre la ficción planteada y la carrera real de sus intérpretes, esa cuarta pared que se derrumba continuamente entre salto y salto de plano secuencia, esta reflexión sobre el trabajo de los actores y su autenticidad, es tan vistosa como virtuosa y ahí están los premios para certificarlo. No hay mucho que objetar ante ello.

Y sin embargo, ¿no es todo un puro fuego de artificio en el que las ideas se acumulan en un batiburrillo de subrayados y bandazos de guión? ¿Es coherente el comportamiento del personaje interpretado por Michael Keaton? ¿Es creíble el retrato de los personajes que le rodean, siempre al borde de la histeria (con la excepción de esa actriz deliciosa y polifacética que es Amy Ryan)? ¿Es Iñárritu un directo nada dotado para la sutileza y sí para el impacto pasajero? Y sobre todo, ¿tiene algún sentido ese final? No sólo la escena que cierra la película, sino todo lo relativo a la representación teatral… Esa ambigüedad intencionada que roza el absurdo es, en mi opinión, un broche final pensado simplemente para epatar al espectador y con escasa relación con lo que la película había planteado hasta el momento. Si Iñárritu no hubiera querido forzar la excelencia al máximo y hubiera apostado por una mayor ligereza y sinceridad consigo mismo y con el público, Birdman hubiera sido la película perfecta que no es.

Boyhood

Si Birdman es “la película que es todo un plano secuencia”, Boyhood es “la película grabada a lo largo de doce años”. Este experimento cinematográfico es plenamente coherente en la carrera de un director que se mueve entre lo independiente y el cine de los grandes estudios (y del que algunas de sus películas como Me and Orson Welles o Bernie, por cierto, no han llegado a estrenarse en España). Richard Linklater ha estado a punto de tocar el cielo, pero quizás era un papel que le quedaba grande. Cercana en sus pretensiones de realismo cotidiano a la trilogía iniciada en los noventa por Antes de Amanecer, pero sí muy lejos de ella en cuanto a sus resultados, Boyhood es una simpática película que se ve con agrado y que no desentona en Sundance pero sí en el Kodak Theatre, para lo bueno y para lo malo.

Al igual que Birdman, la película no consigue despegarse por completo de su planteamiento inicial que acaba pesando como una losa a lo largo de su metraje. Y nunca mejor dicho lo de largo, porque las casi tres horas que dura se antojan algo excesivas para contar una historia donde el protagonista madura físicamente pero donde la carga emocional y dramática la llevan los personajes secundarios, fundamentalmente una sufrida Patricia Arquette, justa ganadora del premio a la mejor actriz de reparto. Sin embargo, el hecho de que sea lo puramente ficticio, el drama escrito e interpretado, lo que mejor funciona dentro de la película juega en realidad en contra de ella. ¿Interesa algo el transcurrir por la vida de un adolescente que parece limitarse a mirar lo que le rodea? ¿Puede haber un final tan forzado y poco auténtico como esa llegada a la Universidad y esa excursión hacia lo salvaje? Una vez aplaudido el esfuerzo de Linklater por rodar una película a lo largo de más de una década, sólo queda la evidencia de que Boyhood está muy lejos de otras películas que han llevado los dramas de la adolescencia a la gran pantalla, una larga lista de títulos donde podrían figurar clásicos como Los 400 golpes, Cuenta Conmigo o El Club de los Poetas Muertos, entre otros muchos. Como dice su “Honest Trailer”, Boyhood consiste en ver crecer a los actores, como en las películas de Harry Potter, pero sin trama, magia o diversión.

18 Canciones que se quedaron sin Oscar

El Oscar a la Mejor Canción Original es una de las categorías más veteranas de la historia de los premios, ya que lleva entregándose desde 1934. Sus normas han ido variando con el tiempo, pero lo que está claro es que tiene que ser una canción escrita específicamente para una película y la estatuilla va para sus autores, no para su intérprete.

En muchas ocasiones esta categoría acaba siendo un castigo para los espectadores de la gala, obligados a escuchar canciones anodinas, ignotas o mediocres. Afortunadamente, también hay veces en las que se juntan temas brillantes que recordamos independientemente de que hayan ganado o no el Oscar. Hoy hago un listado de esas canciones que pudieron llevarse el premio si no se hubiera cruzado otro tema en su camino.

2014: Karen O y Ezra Koening, The Moon Song

Haciendo las delicias de los hipsters, la Academia nominó en esta categoría el tema que Karen O, de Yeah Yeah Yeahs, y Ezra Koening, de Vampire Weekend, cantaron para Her, película que además tenía una banda sonora compuesta por Arcade Fire.

No ganó porque… porque el huracán Frozen y su Let it go estaban destinados a ganar. Y por si fuera poco, compartía nominación con el Happy de Pharrell Williams y el Ordinary Love de U2.

2007: Beyoncé, Listen

Para su adaptación cinematográfica, los autores del musical Dreamgirls compusieron cuatro nuevas canciones, de las cuales tres consiguieron optar al Oscar. Entre ellas estaba este baladón, compuesto seguramente para que Beyoncé no sintiera celos de ese rompegargantas que es And I Am Telling You I’m Not Going y que tuvo mucho que ver con el Oscar a la Mejor Actriz Secundaria que se llevó a casa Jennifer Hudson.

No ganó porque… porque seguramente las tres canciones de la película se hicieron la competencia unas a otras y terminó ganando I Need to Wake Up, el tema compuesto y cantado por Melissa Etheridge para el documental de Al Gore, Una Verdad Incómoda.

2005: Counting Crows, Accidentally In Love.

Si los Counting Crows no son una One Hit Wonder para el gran público es seguramente gracias a este animado tema que terminó en la banda sonora de Shrek 2.

No ganó porque… porque en una de sus decisiones más inesperadas la Academia premió a Al Otro Lado Del Río, el primer tema en castellano en llevarse este premio (y el segundo en idioma extranjero desde la canción en griego que Melina Mercouri cantó para Los Niños de El Pireo en 1960). Memorables los gallos de Antonio Banderas durante su interpretación en la ceremonia y el momento en que Jorge Drexler, al recoger su premio, se limitó a cantar el estribillo de la canción.

2004: Sting & Alison Krauss, You Will Be My Ain True Love

Anthony Minhgella siempre cuidó mucho el aspecto musical de sus películas y para Cold Mountain, su romántica visión de la Guerra de Secesión, escogió una banda sonora que rendía homenaje a las raíces tradicionales de la música estadounidense. En ella destacaba este tema compuesto por Sting y cantado por él y Alison Krauss, una balada entre el country y el bluegrass tan simple como emocionante.

No ganó porque… porque ése era el año en que tocaba premiar en todo lo premiable a El Retorno del Rey y la estatuilla fue para el tema de Annie Lennox, Into The West, una balada mucho más convencional. Lennox, por cierto, no estuvo ni nominada por su mucho más memorable Love Song For A Vampire, canción del Drácula de Coppola.

2001: Björk, I’ve seen it all

Aunque siempre recordaremos a Björk en los Oscars por su vestido de cisne, la islandesa no pudo llevarse el premio a casa por este tema para el sobrevalorado musical de Lars von Triers, Dancing in the Dark. Por cierto, en la versión incluida en su disco Selmasongs, la parte masculina está cantada por Thom Yorke.

No ganó porque… porque ese año era la ocasión de homenajear (muy merecidamente) a Bob Dylan, autor del brillante tema Things Have Changed para Wonder Boys, otra película tan sobrevalorada como olvidada.

2000: Aimee Mann, Save Me

Es difícil concebir Magnolia, la mejor película de Paul Thomas Anderson, sin la aportación musical de Aimee Mann, quien interpretó y compuso varios temas para su banda sonora. Save Me consiguió colocarse entre los nominados y es seguramente una de las mejores canciones que han optado a este premio en la historia de los Oscars.

No ganó porque… porque las canciones de las películas Disney tienen tendencia a llevarse este premio y el You’ll Be In My Heart de Phil Collins para Tarzan no fue una excepción.

1997: The Wonders, That Thing You Do

A veces esta categoría consigue que películas mediocres puedan presumir de una nominación a los Oscars. El debut como director de Tom Hanks será siempre más recordado por esta canción del ficticio grupo The Wonders compuesta por Adam Schelesinger, bajista de Fountains of Wayne.

No ganó porque… porque Hollywood llevaba años sin una película musical presente entre los nominados y de alguna manera había que premiar a Evita. Andrew Lloyd Weber y Tim Rice se llevaron la estatuilla por el tema interpretado por Madonna, You Must Love Me.

1993: Whitney Houston, I Have Nothing

Aunque I Will Always Love You no podía optar al premio por ser una versión, otros dos temas de la banda sonora de El Guardaespaldas sí que fueron nominados: Run to you y I Have Nothing, dos baladones al servicio de la añorada voz de una Whitney Houston en el momento cumbre de su carrera.

No ganó porque… porque como ya hemos dicho Disney dominó esta categoría durante los noventa y el premio fue para A Whole New World, de la banda sonora de Aladdin.

1989: Jevetta Steele, Calling You

Bagdad Café es uno de los grandes éxitos de la historia del cine alemán. Este tema de su banda sonora, compuesto por Bob Telson y cantado por Jevetta Steele, es una balada casi hipnótica que han cantado después artistas como Celine Dion, Paul Young, George Michael, Etta James, Barbra Straisand o AmolapPaloma San Basilio.

No ganó porque… porque las otras dos nominadas ese año eran un temazo como la ganadora Let the river run, el tema de Carly Simon para Armas de Mujer, y la exitosa Two Hearts, una canción de Phil Collins para Buster, peliculilla en la que el batería de Genesis interpretaba un papel.

1988: Starship, Nothing’s Gonna Stop Us Now

Con todo su encanto ochentero, Maniquí debe de ser una de las peores películas que hayan estado nominadas a un Oscar. Aunque, siendo sinceros, poca gente recuerda a estas alturas que el tema compuesto por Albert Hammond y Diane Warren e interpretado por esa reencarnación de Jefferson Airplane que era Starship formaba parte de su banda sonora.

No ganó porque… porque el premio fue, evidentemente, para (I’ve Had) The Time of My Life, el dueto de Jennifer Warnes y Bill Medley para Dirty Dancing, película sólo un poco mejor que Maniquí pero con una banda sonora que había despachado y seguiría despachando millones y millones de copias.

1985: Ray Parker Jr., Ghostbusters

Los ochenta fueron unos años en que toda película de éxito debía tener una canción de éxito… o por lo menos intentarlo. El tema de Ray Parker Jr. para Cazafantasmas es un buen ejemplo, además de trasladarnos hasta la década de neón en un par de acordes.

No ganó porque… porque ese año se enfrentaba a otros clásicos ochenteros como Footloose, Against All Odds (Take a Look at Me Now) y la ganadora, la emblemática I just called to say I love you de Stevie Wonder. Además, Huey Lewis acusó a Ray Parker Jr de haberle plagiado I Want a New Drug, una demanda que se resolvió con un acuerdo fuera de los tribunales.

1983: Survivor, Eye of the tiger

No son muchas las canciones rockeras que han estado nominadas al Oscar, así que Survivor pueden presumir de haberlo conseguido con la enérgica Eye of the tiger, un encargo personal de Sylvester Stallone para Rocky 3.

No ganó porque… porque los oídos de los académicos sólo toleran baladas y la estatuilla fue para Up where we belong, el dueto de Joe Cocker y Jennifer Warnes para Oficial y Caballero que había sido número uno durante tres semanas consecutivas en noviembre de 1982.

1981: Dolly Parton, 9 to 5

La gran Dolly Parton consiguió uno de sus mayores éxitos internacionales gracias a 9 to 5, canción de memorable y pegadizo estribillo para la película del mismo nombre en la que la también tenía un papel la tía de Miley Cyrus.

No ganó porque… porque se enfrentaba a otra estrella del country, Willie Nelson con On the road again, y a Out Here On My Own y el tema central de Fama, que resultó ser el inevitable ganador.

1979: Olivia Newton-John, Hopelessly Devoted To You

Como hay trucos que vienen de antiguo, la adaptación cinematográfica de Grease venía con temas escritos expresamente para la película como este baladón a cargo de Olivia Newton-John que ahora forma parte, lógicamente, de las representaciones teatrales del musical.

No ganó porque… porque la fiebre de la música Disco cegó a la Academia y le dieron el premio a Last Dance, de Donna Summer, para la película ¡Por fin, ya es viernes! Supongo que fue una manera de compensar el inexplicable hecho de que ninguno de los temas de Fiebre del Sábado Noche fuera nominado en su momento.

1974: Wings, Live and let die

Como ya comentamos en su momento, ninguna de las canciones compuestas para películas de James Bond se llevó el Oscar hasta que Adele lo logró con Skyfall. Ni siquiera Paul McCartney en el mejor momento de su carrera con Wings pudo conseguirlo.

No ganó porque… porque media Academia debía de seguir llorando después de ver Tal Como Éramos y escuchar The Way We Were, el tema interpretado por Barbra Straisand para la película de Sydney Pollack.

1968: Dusty Sprigfield, The Look Of Love

La ceguera de la Academia respecto a las películas protagonizadas por James Bond alcanzó hasta la parodia basada levemente en la novela de Ian Fleming, Casino Royale. Intepretada por Dusty Springfield y con música del genial Burt Bacharach, The Look Of Love se ha convertido en un standard del pop más elegante con decenas de versiones.

No ganó porque… porque la Academia es rara o sorda y decidió premiar al tema de Dr. Dolittle, Talk to Animals.

1966: Michel Legrand y Jacques Demy, Je ne pourrai jamais vivre sans toi

O I Will Wait For You, como se llama esta canción en su versión en inglés. La obra cumbre de Jacques Demy, Los Paraguas de Cherburgo, es una historia de amores juveniles rodada en vivos colores y con diálogos enteramente cantados. En resumen, una maravilla que estuvo nominada al Oscar a Mejor Película Extranjera en 1965 y, por esas normas curiosas de entonces de la Academia, a cuatro premios más el año siguiente: mejor guión original y tres en categorías musicales. No ganó ninguno.

No ganó porque… porque bastante mérito tiene que una película cantada en francés se colara en esta categoría. El premio aquel año fue para The Shadow Of Your Smile, de la película Castillos de Arena, dirigida por Vincente Minelli y protagonizada por Elizabeth Taylor y Richard Burton. Este es otro de estos temas que ha interpretado una constelación de cantantes formada por Tony Bennet, Barbra Straisand, Peggy Lee, Shirley Bassey, Nancy Sinatra, Connie Francis, Marvin Gaye, Bobby Darin, Astrud Gilberto, Ella Fitzgerald…

1956: Todd Duncan, Unchained Melody

Y para terminar, una curiosidad. Unchained Melody, el tema de The Righteous Brothers que era parte esencial de la película Ghost y una de las grandes baladas de la historia, es en realidad una versión de una canción compuesta por Alex North y con letra de Hy Zaret para una película de serie B titulada Unchained y ambientada en una prisión. Su intérprete fue Todd Duncan, el primer afroamericano en ser parte de una gran compañía de ópera en Estados Unidos.

No ganó porque… porque a esta versión primigenia de Unchained Melody le falta aún el toque épico que la convertiría en una de las canciones más grabadas de las últimas décadas. Además, poco podía hacer un título de serie B contra la ganadora de ese año, un tema que ya había sido número uno en la lista y que es uno de estos clásicos kitsch de los cincuenta: Love Is a Many-Splendored Thing, para la película del mismo nombre.

Nightcrawler

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Bienvenidos a la noche de Los Ángeles. Bienvenidos al mundo de Louis Bloom, un universo de carreteras perdidas y coches que se mueven por la oscuridad y las luces de neón, ese cosmos con reglas propias en el que tan bien se movía el personaje de Ryan Gosling en Drive, pero donde también habitaban el conductor de ambulancias al que daba vida Nicolas Cage en Al Límite o el mítico Travis Bickle de Robert de Niro en Taxi Driver. Hay ecos de todas estas películas en Nightcrawler, pero no debemos permitir que las apariencias nos engañen: Nightcrawler tiene muy poco de metafísica y nada de angustia existencial. Donde los otros intentaban encontrar el amor o reconciliarse con sus fantasmas, el personaje interpretado con fría intensidad y mirada muerta por un Jake Gyllenhaal más cercano al Donnie Drako de sus orígenes que al Príncipe de Persia sólo busca sobrevivir y triunfar como un depredador, un coyote hambriento de carne y sangre.

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Y esta carne y sangre la ponen las víctimas de los atracos y accidentes que Bloom graba con su cámara para después vender las imágenes al noticiario de una televisión local cuya editora está ansiosa por ofrecer al público contenidos impactantes a la hora del desayuno. ¿Pero es Nightcrawler una película crítica sobre la tendencia al morbo de los medios de comunicación, enfrascados en una lucha por la audiencia donde todo vale para convertir la verdad y la información en un espectáculo voyeurístico? Puede, pero una vez más, no debemos dejar que las apariencias nos engañen.

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Nightcrawler tiene la misma sutileza que un puñetazo en el estómago, pero ésa es la violencia con la que el guionista (Acero Puro, El Legado de Bourne, El Sueño de Alexandria) y director debutante de 55 años Dan Gilroy elabora una metáfora sobre el ultracapitalismo actual. Bloom se relaciona con su empleado y su cliente sin empatía ni humanidad, empleando lemas y teorías propias de cualquier charla de coaching o manual del emprendador triunfador. La frialdad con las que las enuncia y las aplica resulta estremecedora… y no muy lejana a la realidad de unas empresas donde el trepa triunfa y el empleado inútil es sacrificado sin miramientos. En todo caso, ya sea por el recital interpretativo de un Jake Gyllenhaal que nos había hecho olvidar un poco lo buen actor que es a base de portadas de GQ, por rescatar a Rene Russo del ostracismo al que Hollywood condena a las actrices de su edad, por la garra con la que Gilroy rueda las escenas de acción o por las múltiples capas de lectura de su guión, Nightcrawler es la primera película de culto que me he encontrado en este 2015.