Archivo por meses: marzo 2013

Willie B. Planas: Landscapes & Still-Life

Willie B. Planas comenzó tocando el violonchello, después fue guitarrista en grupos de rock como The Pauls para finalmente debutar en solitario con The Great Divide en 2011. Ahora publica su segundo trabajo, Landscapes & Still-Life, editado, al igual que el primero, por el sello Two Mad Records.

Willie-B.-Planas

Como el título del disco indica, en esta ocasión el autor se aleja de las letras más emotivas y desnudas de su ópera prima para aumentar en abtracción y plasmar, en forma de canción, los paisajes y las naturalezas muertas que conforman un universo particular. En este viaje del interior al exterior, la instrumentación ha ganado en energía, pasando del tratamiento acústico de su primer disco a unos temas donde uno puede encontrar reminiscencias del blues de Estados Unidos. Desde su apertura con Rings of Saturn revisited, es fácil imaginarse que el contenido del disco es la banda sonora para embarcarse en una road movie a bordo del coche rojo que ilustra su portada. Este viaje está formado por ocho canciones de ritmo sosegado, donde se deja que instrumentos como el órgano y la armónica cobren el protagonismo necesario para crear la atmósfera que pide este proyecto musical, como queda claro en el tema que cierra el disco, The beauty was a beast. Personalmente, de entre todas ellas, yo me quedo con Modern Art, una canción que comienza con una pareja visitando la galería de Arte Moderno de un museo para acabar reflexionando sobre nuevas y viejas generaciones.

Landscapes & Still-Life sale a la venta el próximo 5 de abril.

Anna Karenina

Anna Karenina Poster

“Todas las familias dichosas se parecen, pero las infelices lo son cada una a su manera”. Así comienza Anna Karenina, la famosa novela del escritor ruso León Tolstoi. Sin embargo, la frase no es citada en ningún momento durante la última adaptación al cine de esta historia de amor y adulterio ambientada en el mundo de la aristocracia rusa de finales del siglo XIX, a caballo y tren entre Moscú y San Petersburgo. El guión corre a cargo de Tom Stoppard, ganador del Óscar por su trabajo en Shakespeare in Love y autor de los libretos de películas como Brazil o El imperio del sol y obras de teatro como Rosencrantz y Guildenstern han muerto. Stoppard es un brillante escritor y ha sabido concentrar todo el drama de una novela de más de ochocientas páginas en una película de dos horas de duración, un trabajo que ha consistido en ir a la esencia de la historia, seleccionando las frases y momentos más adecuados para profundizar en la evolución psicológica de los múltiples personajes que pueblan las páginas y las imágenes de Anna Karenina.

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Y vale la pena empezar esta crítica destacando el trabajo de Stoppard porque sin su buen hacer, sin su depuración del material original, la labor de puesta en escena del director Joe Wright no funcionaría tan bien como lo hace. El director de Orgullo y Prejuicio y Hanna ha optado por llevar a la pantalla la historia de Anna Karenina de una forma tan original como espectacular: gran parte de la película se ambienta en un teatro, donde los personajes representan la historia tanto para el espectador como para ellos mismos, moviéndose en ocasiones más como bailarines que como actores. Candilejas, telones, trenes de juguete, escenarios pintados se mueven a su alrededor a un ritmo tan controlado al milímetro como vertiginoso, creando un mundo propio que se mueve al compás de la magnífica banda sonora de Dario Marianelli. Wright ya había demostrado su dominio del ritmo narrativo y su capacidad para que la imagen cinematográfica cobre un carácter sensorial que traspasa la pantalla en la prácticamente perfecta primera hora de Expiación, y aquí lo vuelve a demostrar. Las escenas en las que Anna y Vronsky se entregan a su pasión y hacen el amor no son nada explicitas, resueltas como están en primerísimos primeros planos de las caras y cuerpos de los actores, pero son extremadamente sensuales.

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Wright ha explicado que esta puesta en escena, que puede recordar a experimentos cinematográficos de directores como Peter Greenaway o Lars Von Triers, tiene su razón de ser en la crisis de identidad que sufría la clase alta rusa en ese período histórico. Esa sociedad que se movía entre el respeto a la tradición y la apertura hacia la cultura occidental era un mundo de apariencias e hipocresía, una inmensa obra de teatro donde una pasión desbocada y enloquecida como la que siente Anna Karenina es un escándalo que la condena al ostracismo. Nada más lógico que plasmar ese fingimiento convertido en forma de vida que transformar a quienes lo pueblan en actores de una perpetua representación teatral. Sólo en ocasiones puntuales, cuando no hay actuación, cuando los personajes son ellos mismos, el entorno que les rodea es el mundo real. A este respecto, el vestuario diseñado por Jacqueline Durran y ganador del Óscar en su categoría, es suntuoso y elegante, pero a la vez está concebido como una trampa que encierra y domina a sus personajes, casi como una especie de sudario.

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La actriz fetiche de Wright, Keira Knightley, sucede a mitos como Greta Garbo y Vivien Leigh para dar vida a Anna Karenina. Su trabajo seguirá sin convencer a sus detractores y encantará a sus seguidores, quienes, en este caso, son los que llevan razón. Pero Knightley sólo es un engranaje más en la delicada maquinaría de esta película-caja de música. Las piezas no terminarían de encajar sin la entrega física de Aaron Taylor-Johnson, la contención de Jude Law y el buen trabajo de secundarios como Kelly MacDonald, Matthew MacFayden, los jóvenes Alicia Vikander y Domhnall Gleeson y rostros como los de las siempre eficaces Olivia Williams y Emily Watson y el de Michelle Dockery, la Lady Mary Crawley de Downton Abbey.

Lista UK: Número uno para Justin Timberlake

Como era de prever, el mundo anglosajón se ha rendido a los pies de Justin Timberlake. Con más de cien mil copias vendidas en una semana, The 20/20 experience se coloca en lo más alto de la lista británica. La pasada semana también se estrenó el videoclip de Mirrors, dirigido por Floria Sigismondi. Viendo a Justin bailar en la parte final del clip, los (difíciles de justificar) ocho minutos que dura el tema se pueden hacer más llevaderos.

David Bowie desciende al segundo puesto con The Next Day, mientras que Emeli Sandé se mantiene en el tercero con Our Version of Events. En el décimo puesto debuta Bloodsports, el nuevo disco de Suede desde que publicaran A New Morning en 2002. Otras novedades interesantes de la semana son la del veterano Billy Bragg en el 13 con Tooth & Nail; Black Rebel Motorcycle Club en el 31 con Specter at the Feast; Woodkid en el 38 con el glorioso The Golden Age; Low en el 44 con The Invisible Way; Alex Day en el 57 con Epigrams and Interludes; y la del cantante de Wet Wet Wet, Marti Pellow, en el 60 con Hope.

En la lista de sencillos, The Saturdays consiguen el primer número uno de sus cinco años de carrera gracias a What About Us, tema bastante anodino en el que han contado con la colaboración de Sean Paul. Mucho más interesante es el debut en el 16 de High Hopes, nuevo sencillo de Kodaline, una de las bandas a tener en cuenta este 2013. Y sí, el actor que protagoniza el videoclip es Liam Cunningham, Davos Seaworth en Juego de Tronos.

Otras novedades de la semana son Feel this moment, el engendro en el que Pitbull y Christina Aguilera destrozan el Take on me de A-ha, en el 27; y Up in the air, adelanto del próximo disco de 30 seconds to Mars, en el 45.

La venganza es un plato que se sirve frío

El 12 de febrero, un día después del lanzamiento de Dream Man, el primer sencillo de Night & Day, el nuevo disco de Virginia Labuat, ella y su compañero de OT, Chipper, mantuvieron el siguiente intercambio de tweets.

Chipper y Virginia

Ahora ya sabemos que la canción se llama Let me talk, y en ella Virginia se despacha a gusto con sus compañeros de programa que, recordemos, le hicieron el vacío durante toda esa edición de Operación Triunfo. Así suena la canción, una buena muestra del ese sonido nostálgico con reminiscencias de la música estadounidense de los 50 y los 60 que impregna todo el disco.

Me gustaría saber qué cara se le habrá puesto a Chipper cuando haya escuchado esta parte de la canción:

Let me talk about it
I’m now ready to

Let me say how fearful nights can be
Let me say how tearful loneliness can be

Let me speak my buried truth so I can heal and soothe
let me just say I loathe them
cause every day they hated my being

Lista Promusicae: Bon Jovi puede con David Bowie

Bon Jovi cuenta con una masa fiel de seguidores en España, por lo que no es de extrañar que What about now, su último disco, se haya colocado en lo más alto de la lista de ventas española, relegando a The Next Day, de David Bowie, a la segunda plaza, al igual que ha sucedido en Estados Unidos.

La otra novedad destacada de la semana ha sido la de Delafé y Las Flores Azules al octavo puesto con De ti sin mí-De mí sin ti, algo especialmente meritorio teniendo en cuenta que se trata de un disco doble. En el 16 nos encontramos con Vuelven los Amaya, el disco en el que el mítico dúo rumbero reinterpretan sus clásicos junto a artistas como Bebe, Macaco o Muchachito Bombo Infierno. Hurts consiguen colocarse en el 25 con Exile, mientras que La sonrisa de Julia entra al 27 con El viaje del sonámbulo. En el 46 aparece Raimon 50, disco doble que recoge el concierto que el cantautor catalán ofreció en el Liceu barcelonés para celebrar sus cincuenta años de carrera. En el 54 debuta Dave Ghrol con la banda sonora que ha escrito para Sound City, el documental que ha dirigido sobre los estudios de grabación del mismo nombre. En el 59 nos encontramos con Todo Llega de Jesús Giles y en el 88 con Rozalén y Con derecho a…

En la lista de canciones, Te pintaron pajaritos sigue en lo más alto por segunda semana consecutiva, seguida de Scream & Shout de Will.i.am ft Britney Spears y Try de Pink. Las únicas novedades de la semana son En tus manos, el primer sencillo de la concursante de La Voz, Maika, compuesto junto a Melendi, en el 21; y Tornarem, de Lax’n’ Busto, en el 48.

Lori Meyers: Impronta

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Esta semana ha salido a la venta Impronta, el quinto disco en la carrera de los granadinos Lori Meyers. Al igual que Cuando el destino nos alcance, en este nuevo trabajo la banda ha contado con la participación de Sebastian Krys (Vega, Amaia Montero, Kinky) en la producción pero han optado por grabarlo en Alomartes, un pueblo granadino, para después mezclarlo en Los Angeles. Así, entre lo intimista y la energía cosmopolita, se mueve el disco a lo largo de sus doce canciones.

Impronta se abre con los potentes guitarrazos de Planilandia, un tema que, según explican los componentes de la banda, es un resumen de todo lo que es Lori Meyers, una canción muy completa y con muchos contrastes, con unas estrofas rockeras y un estribillo más desnudo. Esta combinación entre rock y pop es, seguramente, el secreto de la fórmula de una banda que aquí da sus mejores frutos. El grupo liderado por Antonio López demuestra que no tiene ningún complejo a la hora de hacer temas bailables, incluso con un punto disco o funky como El tiempo pasará, además de responder a los que les criticaron por el uso de los sintetizadores dedicándoles el juego de palabras que da título a A-Sinte-Odio. Los arreglos electrónicos son también los protagonistas de Una señal, una excelente muestra de power pop. Entre este género y el más puro indie nacional se encuentra Emborracharme, una canción muy directa y con una letra en la que seguramente más de uno podrá identificarse. Nos encontramos ante un potencial himno a los domingos de resaca.

Una de las cosas que personalmente siempre me han gustado de Lori Meyers es que es un grupo en el que se puede escuchar la impronta (nunca mejor dicho) de las mejores páginas de la historia del pop español de las últimas décadas. Mientras otras bandas españolas parecen no tener referentes artísticos que vayan más allá de los ochenta o sólo se fijan en lo que se cuece en el panorama musical anglosajón, Lori Meyers tienen momentos en que suenan a los mejores grupos nacionales de los sesenta y setenta. Ahí están los toques psicodélicos de Huracán o Tengo un plan para demostrarlo o el aire etéreo y atmosférico de la emocionante Deshielo (“…y cómo decirte que te quiero y ser sincero”). Con la acústica Despedirse se cierra Impronta, un paso adelante en la carrera de Lori Meyers hacia la madurez artística y seguramente el disco que les acerque a un público cada vez más numeroso. Nosotros ya somos fans incondicionales.

Canciones para el día del padre: Father and son

Hoy se celebra el Día del Padre y entre todas las canciones sobre padres e hijos que se han grabado en la historia de la música, nos quedamos con Father and son, el clásico de 1970 de Cat Stevens, nacido Steven Demetre Georgiou, conocido ahora como Yusuf Islam.

Father and son es una canción estructurada como un diálogo entre un padre y un hijo. Éste quiere seguir su camino en la vida y tomar sus propias decisiones, mientras que su padre le recomienda obedecer sus consejos. En resumen, se trata del eterno conflicto entre una generación y la siguiente que se viene produciendo desde el principio de los siglos. Es muy fácil identificarse tanto con los argumentos del padre como los del hijo y de ahí que la canción se haya convertido en uno de los temas más recordados de Cat Stevens, a pesar de que sólo fuera editada como cara B del sencillo Moonshadow y como parte del disco Tea for the Tillerman. Ha habido varias versiones de la misma que han tenido buenos puestos en las listas, como la grabada por Ronan Keating en 2004 en la que no dudó en hacer los coros el propio Yusuf Islam. Sin embargo, no permitió que Baz Lhuhrmann la utilizara en una escena inicial de Moulin Rouge, ya que el argumento de la película iba contra los preceptos de la religión musulmana.